Osservi Mark Gonzales tra le ampie scalinate del Palais d’Iéna, Parigi, e percepisci il peso di una leggenda. O meglio, della leggenda. ‘The Godfather’, basterebbe questo soprannome per comprendere l’effettiva influenza esercitata sulla skate culture da questo esploratore urbano californiano, oggi 58enne, già a partire dai dorati anni ‘80 di LA. 

Poi, rimani ipnotizzato dal suo approccio all’asfalto parigino. Rime sulla tavola. Rapsodiche, naturali intuizioni. Ogni strada, ogni architettura trasformate in note da interpretare. E ti ritrovi calato, istantaneamente, nell’essenza di una figura programmatica per lo street skateboarding tutto. Nell’estro di un artista eterogeneo. Negli impulsi di un creativo che dalla tavola è partito, per atterrare su spartiti più ampi, fatti d’illustrazioni e pennellate, d’intuizioni lessicali, di fanzine passate di mano in mano, di design e materiali: d’espressione personale.

Non è un caso che sia lui il volto della collezione F/W adidas Y-3, un brand a cui è legato da tempo e che, da altrettanto tempo, incarna il medesimo approccio creativo professato da Gonzales. Contaminazione. Influenza. Soprattutto, istinto e poetica. Certo, modulate da logica e progresso. Nel caso specifico di Gonzales, dagli insegnamenti che il tempo porta con sé. Mantenendo, però, un affine nucleo pulsante invariato. Lo stesso celebrato da questa stessa collezione, plasmata da Y-3 in collaborazione con l’artista Chito: ‘Legacy in motion. Future in flow’. 

A spiegarlo, la testimonianza diretta di Mark Gonzales.

Per Athleta Mag lo sport è sinonimo d’arte e cultura. Partiamo proprio da quest’ultima associazione. Che rapporto hai con il fatto che la tua influenza attraversi ormai l’intera skate culture? Oggi sei considerato non soltanto uno dei più grandi skater di sempre, ma una delle figure che hanno ridefinito, in modo irreversibile, l’anima di questa sottocultura. Come si convive con un’eredità di questo tipo?

“Prima di me c’era Tony Alva e, prima ancora, altri pionieri. Tony Alva, però, per il modo in cui approcciava le pool e riusciva a sfidare la gravità... Ecco, quello era un qualcosa d’incredibile. Ha cambiato le cose. Faccio fatica a vedermi in quel ruolo. Se penso alla mia influenza, la immagino come un qualcosa di collettivo. Penso a Natas Kaupas, Tommy Guerrero, Mike Vallely (oggi voce della band hardcore Black Flag) e a come, ciascuno a modo proprio, abbiamo contribuito a spingere lo skate in una direzione diversa. Lo street skating, in fondo, è nato così. Non credo che tutti noi avessimo davvero la consapevolezza di fare qualcosa che, di lì a poco, avrebbe cambiato tutto.”

Torniamo all’inizio. Skate e arte hanno coinciso fin dal giorno zero, oppure si sono incontrati soltanto con il passare del tempo?

“Mio fratello, mio padre e io disegnavamo Hot Rod. Nella mia infanzia, tutto ruotava attorno ad Hot Rod, surf, capelli lunghi… Cercavamo d’imitare il surf e, allo stesso tempo, disegnavamo le macchine che avremmo voluto guidare. Tutto accadeva contemporaneamente. Sognavamo di percorrere il boulevard a bordo di auto bellissime. Disegnarle era la cosa che più ci avvicinava al poterlo fare davvero.”

Spike Jonze ha detto che vai in skate nello stesso modo in cui pensi: senza limiti. Ti è mai capitato di fare davvero i conti con l’idea di limite, sulla tavola o altrove?

“I limiti esistono. E può essere deprimente immaginare qualcosa senza riuscire a portarla a compimento. È una sensazione dura da processare.”

Hai detto: “La mia vita è poetica”. Cosa significa, per te, vivere poeticamente? 

“Forse sarebbe più giusto dire: ‘La mia vita era poetica’. Vivere senza programmi, decidere tutto sul momento… Quello è poetico. Oggi, invece, le mie giornate sono molto più strutturate. E, sotto certi aspetti, credo sia meglio così. A mio avviso, logica e poesia non riescono a funzionare congiuntamente.”

La tua vita è sempre stata attraversata da un forte senso d’espressione personale: nello skate, nel disegno, nella pittura, nella scrittura… All’interno di questo lessico creativo, quale posto occupano il design e l’abbigliamento? E come s’inserisce il tuo rapporto con Y-3?

“Il fatto che la mia visione artistica sia confluita anche nei vestiti è frutto del caso. Non c’è mai stato un vero progetto, né un calcolo. È qualcosa che è accaduto con estrema naturalezza, tanto che, spesso, ancora oggi nemmeno me ne rendo conto...”

Sei il volto della collezione Fall/Winter di Y-3, fotografata da Jet Swan. Anche la fotografia, però, fa parte del tuo universo creativo da decenni. Che effetto ti ha fatto diventare l’immagine stessa di questa collezione?

“Mi riesce ancora difficile credere che quello sia io. E penso che Jet Swan abbia fatto un lavoro magnifico.”

La campagna è stata realizzata a Parigi. Sei tra le figure che hanno ridefinito il rapporto tra lo skate e lo spazio urbano. Cosa ti raccontano oggi le città, e Parigi in particolare? Dopo una vita scandita dallo street skating, in che modo è cambiato il tuo modo d’esplorare il panorama metropolitano?

“Ogni volta è una nuova esperienza. Con l’avanzare dell’età, ho la sensazione che il tempo che posso trascorrere per strada stia diventando sempre più limitato. Non direi che il mio modo di vivere le città sia cambiato: forse, semplicemente, c'è meno spazio per l’avventura. A Parigi, però, è stato bellissimo. Ho girato e skateato con Reece Leung e, a dire il vero, per lunghi tratti mi sono quasi dimenticato di essere nella Ville Lumière. Ho potuto fare ciò che faccio da sempre, senza la sensazione di dover costruire una scena o inseguire lo scatto perfetto. Mi sono semplicemente divertito. Ero me stesso. Quando abbiamo finito ho pensato: tutto qui? Sarei andato avanti ancora.”

Vorrei chiudere con un concetto che affiora spesso nelle tue parole: l’istinto. Hai detto: “È strano fare qualcosa senza una vera ragione, semplicemente seguendo l’istinto…”. A tuo avviso, l’istinto cambia con il passare degli anni oppure è una caratteristica immutabile di ogni individuo? 

“Avere una ragione, un motivo razionale, per fare qualcosa mi sembra un’idea molto logica: quindi, ben poco poetica. Non credo, però, che l’istinto muti davvero. Quando invecchi, se ti trovi davanti quindici gradini da saltare, il tuo istinto dice che, forse, quella non è una buona idea. Quando sei ragazzo, invece, e vuoi impressionare qualcuno, lo stesso istinto ti dice di provarci. E tu lo fai. Sì, continuo a fidarmi del mio istinto. È sempre lo stesso. Chiamalo saggezza, chiamala incoscienza: in fondo, cambia poco. L’istinto è una forma d’intuizione.”

“Ho cominciato a guidare a tre anni. La Formula 1 ha sempre fatto parte della mia vita. Allo stesso tempo, ho sempre amato la moda, ma non avevo mai pensato realmente a cosa potesse significare unire questi due mondi e a quale forma potesse assumere il loro incontro. PUMA sta facendo ciò, e lo stia facendo bene. Lo vediamo in questa collezione, dedicata a un pilota estremamente speciale per la Scuderia: Michael Schumacher. Riuscire a far dialogare questi mondi in questo modo è davvero significativo”. Nelle parole di Charles Leclerc, circondate da un popolo di rosso vestito traboccante dagli spazi del flagship END. di Milano, emerge il senso ultimo della nuova collezione PUMA x Scuderia Ferrari HP Monza. 

Un omaggio a Michael Schumacher, all’estetica distintiva della sua prima stagione in Scuderia, 30 anni dopo, nella settimana che più conta per i Tifosi. E un’implicita conferma della fusione sempre più in essere, sempre più attiva, tra l’immaginario sportivo e le sue infinite possibilità d’applicazione, nonché d’ispirazione, nel design contemporaneo. Da quest’incontro, amplificato da un partner esclusivo come END., nasce una sensazione di completezza. Di una collezione che, nel weekend per eccellenza del Cavallino Rampante, permette alla storia ferrarista di essere attuale, e al mondo dei motori di dialogare con quello fashion. 

Un dialogo spiegato alla perfezione da chi ha dato forma a questo nuovo capitolo estetico della Rossa e a chi gli ha permesso di trovare un tangibile spazio per mostrarsi: Prima Jiraruangkiat, PUMA Motorsport Apparel Designer, e Martin Wieczorek, Chief Product Officer, END.

Prima Jiraruangkiat – PUMA Motorsport Apparel Designer

Il kit trae ispirazione dall’impronta indelebile lasciata da Schumacher nell’immaginario Ferrari, e non solo, oltre a celebrare il trentesimo anniversario della sua prima stagione con la Scuderia. Puoi raccontarci nel dettaglio come avete scelto di rendere omaggio a Schumi attraverso questa collezione? E com’è stato tornare ad esplorare l’immaginario e il linguaggio visivo di un’epoca così mitica del motorsport?

Prima Jiraruangkiat: “Per restituire lo spirito di quel momento, abbiamo disseminato l’intera collezione di riferimenti a dettagli emblematici degli anni di Schumacher in Ferrari. La giacca è una reinterpretazione contemporanea della tuta da gara che indossava nel 2006, di cui riprende elementi come la spallina bianca, le linee delle cuciture e il profilo del colletto. La camicia guarda invece alla pit crew Ferrari degli anni Novanta e, in particolare, a Ignazio Lunetta, race engineer di Schumacher nel 1996, nonché alla sua iconica camicia bianca da tecnico. Poi, abbiamo introdotto richiami a Schumacher più discreti: il ricamo della corona d’alloro sul colletto, simbolo delle sue numerose vittorie, e le sette stelle sulla schiena, che rimandano tanto agli inconfondibili design dei suoi caschi quanto ai sette titoli mondiali conquistati in carriera. Tornare a immergerci in quell’epoca è stato incredibilmente stimolante. La vera sfida consisteva nel preservare l’autenticità e il carattere degli anni di Schumacher in Ferrari, traducendo al tempo stesso quei riferimenti in un linguaggio contemporaneo, capace di conservare ancora oggi la propria rilevanza.”

Leclerc e Hamilton sono gli ovvi volti di questa collezione. Che valore assume, per PUMA e per il suo design team, il fatto di lavorare con due atleti d’élite che possiedono al tempo stesso una sensibilità estetica estremamente sviluppata, tale da permettere loro di riconoscere la qualità di una collezione o di un singolo design?

Prima Jiraruangkiat: “Senza dubbio, per noi significa alzare ulteriormente l’asticella e lavorare affinché ogni prodotto della collezione possieda una forte identità visiva e una qualità elevata. Charles e Lewis condividono una grande sensibilità per la qualità, perciò, quando sviluppiamo la linea dedicata ai piloti, teniamo conto dei loro stili individuali e delle rispettive estetiche. L’obiettivo è creare prodotti che risultino in modo autentico Scuderia Ferrari e PUMA, ma che siano al tempo stesso coerenti con le personalità di chi li indossa.”

Come design team di PUMA, con quale spirito e quale consapevolezza affrontate l’idea che una collezione come questa possa incidere, a tutti gli effetti, sulla cultura contemporanea del motorsport, in Italia e oltre, entrando al tempo stesso in relazione con la storia stessa di Ferrari? E, all’interno di questa prospettiva, che ruolo assumono collaborazioni con partner come END. Clothing nel portare la collezione oltre i confini tradizionali del motorsport?

Prima Jiraruangkiat: “Affrontiamo una collezione come questa con un profondo rispetto per la storia di Ferrari e, al tempo stesso, con la consapevolezza del ruolo che possiamo avere nel dare nuova espressione allo spirito dei Tifosi. L’obiettivo è creare prodotti autenticamente legati al motorsport, traducendo però quello stesso spirito in qualcosa di contemporaneo e rilevante per il presente. Significa preservare il legame emotivo con momenti diventati iconici e, allo stesso tempo, offrire loro una nuova forma, capace di parlare a una nuova generazione. Le collaborazioni con partner come END. Clothing sono importanti proprio perché costruiscono un ponte tra motorsport, moda e cultura. Permettono alla collezione, e più in generale all’heritage Ferrari, di raggiungere un pubblico che va oltre gli appassionati tradizionali di Formula 1, continuando contemporaneamente a celebrare quell’identità e quella legacy che hanno reso Ferrari un’icona. È una connessione fondamentale per mantenere viva la cultura dei Tifosi e permetterle, al tempo stesso, di continuare a evolversi.”

Questo è il weekend che ogni tifoso Ferrari aspetta per un’intera stagione. Quali emozioni attraversano un design team quando sa che la propria collezione prende vita in uno dei momenti simbolicamente più importanti dell’anno della Scuderia? E quale reazione sperate di vedere da parte della comunità Ferrari e, più in generale, sia dal pubblico del motorsport, che da quello fashion?

Prima Jiraruangkiat: “È incredibilmente gratificante, oltre che un enorme onore, poter contribuire a dare forma all’energia e allo spirito della Scuderia Ferrari in un weekend di gara come questo. Dietro una collezione del genere c’è un lavoro profondamente corale: dalla definizione del concept iniziale allo sviluppo dei prototipi, dalla cura di ogni singolo dettaglio fino alla ricerca del modo migliore per dare vita e forza al racconto che accompagna il progetto. Vedere tutto questo diventare parte di un momento così importante per milioni di tifosi Ferrari è, per noi, un qualcosa di quasi irreale. Ci auguriamo, innanzitutto, che la collezione riesca a entrare in sintonia con la comunità Ferrari, soprattutto per il suo significato: per l’omaggio a Schumacher e agli anni che hanno segnato la sua storia con la Scuderia. Speriamo di essere riusciti a rendere giustizia a quell’eredità e a creare qualcosa capace di stabilire una connessione autentica tanto con il pubblico del motorsport quanto con quello della moda.”

Martin Wieczorek – END. Chief Product Officer

Driver’s Room ha portato Charles Leclerc all’interno del vostro spazio milanese. Cosa rappresenta per END. l’opportunità di accogliere nei propri store atleti di questo calibro? E, allargando la prospettiva, quale spazio occupa l’immaginario sportivo (le sue icone, i suoi codici e la sua influenza culturale) nella visione che END. ha della moda contemporanea?

Martin Wieczorek: “END. si è sempre collocata nel punto d’incontro tra moda, musica, sport e cultura. Lo sport sta assumendo sempre più un ruolo determinante nel definire autorevolezza culturale e credibilità nel mondo della moda, proprio come la musica fa ormai da decenni. E i rispettivi pubblici si sovrappongono molto più di quanto si possa immaginare. Per questo accogliamo nel nostro spazio un atleta come Charles esattamente come faremmo con un musicista o una figura di culto della moda: non come semplice testimonial, ma come parte autentica di una conversazione che la nostra community sta già vivendo. Milano ci ha offerto lo spazio e il contesto per farlo nel modo giusto.”

La speciale collezione PUMA x Scuderia Ferrari HP Monza esplora la storia e l’eredità di una delle figure più leggendarie del motorsport e non solo: Michael Schumacher. Nella filosofia di END., quale ruolo assume la dimensione culturale di un brand, o di una specifica collezione come questa, nel determinarne la rilevanza e il significato?

Martin Wieczorek: “È la cultura a segnare la differenza tra un prodotto che le persone comprano e un prodotto a cui le persone tengono davvero. I nostri clienti cercano significato, narrazione e un punto di connessione autentico, non hype fine a sé stesso. Una collezione come PUMA x Scuderia Ferrari HP Monza funziona perché non si limita ad applicare una livrea a dei capi: torna agli anni di Schumacher e al patrimonio emotivo legato a quell’epoca. Ed è proprio questo a offrirci una materia narrativa su cui costruire qualcosa. Il nostro ruolo è agire come creative director di queste storie, anziché limitarci a distribuirle passivamente. Quanto più un prodotto è vicino a una passione autentica, tanto più interessante diventa l’esperienza che possiamo costruirgli attorno.”

‘Off the Grid’, il panel talk concepito per l’occasione, ha rappresentato anche una metafora del processo attraverso cui collezioni radicate nella performance (in questo caso nel garage, nel paddock e sulla pista) entrano nella quotidianità e diventano parte dell’estetica lifestyle. In che modo END. sta vivendo e contribuendo attivamente ad alimentare la contaminazione tra performance e lifestyle, specie in un momento storico in cui il dialogo tra le due dimensioni sembra essere all’apice della fertilità?

Martin Wieczorek: “Oggi lo sport occupa una posizione centrale nel racconto della moda, ma noi continuiamo a interpretare la performance attraverso una lente fashion, chiedendoci quale funzione possa realmente avere un determinato capo all’interno di un guardaroba urbano contemporaneo. Non stiamo cercando di trasformare END. in una destinazione dedicata alla performance. Il nostro compito è selezionare i brand e i prodotti più rilevanti e interessanti, e interpretarli alla luce del modo in cui le persone si vestono realmente. Credo sia importante sottolineare anche un altro aspetto: tendiamo a guardare lo sport dalla prospettiva dello spettatore, più che da quella dell’atleta. È soprattutto lì che vivono i codici, la nostalgia e il senso di appartenenza; ed è un territorio molto più ricco da esplorare per un pubblico legato alla moda.”

Questa settimana il vostro flagship store di Milano si trova al centro della passione che circonda il Cavallino Rampante. Quali responsabilità e soddisfazioni accompagnano la crescente rilevanza sociale e culturale che la vostra presenza milanese sta acquisendo all’interno di una comunità così appassionata? E, più in generale, quanto è importante per END. partecipare così da vicino agli eventi e ai momenti che scandiscono il panorama sportivo globale?

Martin Wieczorek: “Il nostro flagship store si trova nel cuore di Milano ed è diventato una vera destinazione fashion e culturale: lo è in questi giorni, durante la settimana di Monza, così come lo è stato in occasione dei Giochi Olimpici Invernali di Milano Cortina all’inizio dell’anno. Le nostre collaborazioni Nike X2 ne sono un altro esempio: a Londra e Manchester, durante i Mondiali, i nostri store hanno vissuto e trasmesso appieno l’energia generata dall’evento. Offrire alla nostra community un luogo attraverso cui vivere momenti come questi non nasce da una decisione strategica sulla quale ci interroghiamo a lungo: è semplicemente parte di ciò che siamo. E, sinceramente, è anche l’aspetto del nostro lavoro che ci appassiona di più.”

“I do not give up,

I never give up,

For there is nothing

In this entire world

That is irrevocably unchangeable.” 

Sri Chinmoy, Aspiration-Body, Illumination-Soul Part 2

Le parole di questa guida spirituale e atleta, che considerava lo sport come uno strumento fondamentale per la crescita interiore, promuovendone la capacità di portare pace e oltrepassare i propri limiti, sembrano incarnare perfettamente il percorso di vita di Jason Levine.

Figlio della New York suburbana degli anni Novanta, tra hip-hop, graffiti, skateboarding, reggae, club culture e moda, la vita di Jason è una variopinta geografia esistenziale fatta di alti e bassi, eccessi e intuizioni. Fino alla lenta e radicale decisione di cambiare vita. In quel passaggio spirituale, animato dallo yoga e dalla corsa, la pratica sportiva ha aperto il varco verso una nuova forma di consapevolezza, sfociata nella creazione di Minor Planet NY.

Nella visione del brand, e di Jason, lo sport non promette soltanto salute fisica. Corsa, yoga, meditazione, alimentazione, respirazione non sono separati, offrendo una percorso che porta alla consapevolezza del proprio mondo interiore e al ritrovare la pace con quello esteriore.

Custodire la memoria estetica delle sottoculture cittadine e attraversarla con una nuova idea di purezza e ricerca spirituale è la tensione che tiene insieme questo brand newyorkese che non separa la performance dalla spiritualità, elevando lo sport a forma contemporanea di ascesi. 

Un ragazzo degli anni Novanta

“Ho avuto un’infanzia molto simile a quella di molte persone che oggi fanno parte del mondo della corsa. Ero un ragazzo cresciuto nei sobborghi di New York negli anni Novanta. Gli anni del liceo, per me, sono stati più o meno tra il 1991 e il 1994, nel cuore di un’epoca completamente nuova per tutti, lontana dagli smartphone di oggi, dominata dall’hip-hop, i graffiti, lo skateboarding. Il modo in cui ci si atteggiava si basava su cattivi principi. Non era considerato cool essere gentili, mangiare sano. Era cool essere in qualche modo anarchici, cosa che resta comunque un impulso profondamente giovanile, e sono felice di aver vissuto quell’esperienza a quell’età. Quel periodo ha plasmato il mio modo di pensare. Credo che, all’inizio, fosse qualcosa di puro, ed era ciò che ero; poi, col tempo, mi ha portato sulla cattiva strada. Ho sempre fatto festa. Sono stato cacciato dal liceo. Non pensavo in modo lucido; reagivo soltanto a ciò che avevo davanti. Non avevo alcun progetto per il futuro. Alcuni ragazzi vanno al liceo, poi hanno un piano per il college, e poi sanno già che diventeranno qualcosa di simile ai loro genitori. Io non pensavo a nulla di tutto questo. Volevo soltanto fare la prossima cosa folle con i miei amici, prendere LSD, fare casino. Ero completamente perso. Ma anche nel mezzo di quella follia, c’erano sempre momenti in cui pensavo alla salute.

A un certo punto della mia vita ho scoperto la musica reggae e i principi rastafariani. È stata la prima volta che mi sono avvicinato a una comunità dai sani principi, tutto ruotava intorno a ciò che è naturale, a ciò che viene dalla terra. Così ho iniziato, in qualche modo, a vivere secondo quei principi. Ma ero comunque un ragazzo bianco del New Jersey che passava il tempo con dei rastafariani, quindi, in quel senso, non era qualcosa che percepivo come autentico. Eppure ero ispirato dal loro modo di mangiare, dalla musica e, naturalmente, dal loro modo di vivere. Avevo in me tutte queste influenze — hardcore, hip-hop, reggae, tutto quel colore e tutta quella creatività. Eppure la mia mente era ancora, in qualche modo, fuori controllo.

Dopo quel periodo, quando sono andato al college, le cose hanno iniziato a peggiorare. Ho cominciato a fare uso di droghe più pesanti e cose del genere. Ma poi ne sono uscito di nuovo, grazie al kung fu. Ho studiato arti marziali per un po’. Alla fine sono arrivato in una scuola di agopuntura e medicina erboristica, che non avrebbe potuto essere un ambiente più sano, più vitale, più carico di energia per me. Ma ero ancora molto giovane. Cercavo di fare qualcosa di positivo, ma continuavo a essere risucchiato dal vortice giovanile. Ho finito per praticare l’agopuntura, ma dopo cinque anni non volevo più farlo. Era troppo. Avere a che fare con persone malate mentre io continuavo ancora a fare festa era qualcosa che semplicemente non riuscivo a sostenere.”

La caduta e la rinascita attraverso la moda 

“Volevo esplorare qualcos’altro, e alla fine sono approdato nel mondo della moda. Avevo un rapporto con i ragazzi che avevano fondato un brand chiamato Rag & Bone, una casa di moda qui a New York. A quel punto, in azienda, forse erano soltanto cinque persone. Oggi sono più o meno quattrocento. Sono andato lì per imparare e alla fine ci sono rimasto per undici anni. All’inizio mi occupavo di accessori maschili, borse e piccola pelletteria. Poi, con il tempo, sono diventato uno dei designer del ready-to-wear per la parte cut-and-sew. I miei genitori lavoravano nel settore della moda, quindi sono cresciuto dentro quel mondo. Avevano un brand qui a New York. Possedevano uno showroom a Midtown e una fabbrica nel New Jersey, dove realizzavano internamente tutti i loro prodotti. Alla fine, tutte le diverse cose che mi interessavano mi hanno riportato esattamente a ciò che i miei genitori avevano fatto. Forse, a un livello inconscio, mi sembrava qualcosa di familiare.

Ma essere nel mondo della moda significava anche che una parte del tuo lavoro era fare festa, andare agli after-party, partecipare alle sfilate, fare uso di droghe, bere, restare fuori fino alle cinque del mattino tre o quattro giorni a settimana. Così, intorno al 2017, ho lasciato Rag & Bone, e ho iniziato a cambiare il mio stile di vita. Finalmente, verso i trentasei anni, ero arrivato a un punto in cui sapevo di dover cambiare modo di vivere. È iniziato con una sola decisione. Ricordo una notte fuori in un club. Ero già ubriaco, ed erano le quattro del mattino. Sarebbe bastato un altro drink per arrivare alle cinque. Ma ho deciso di andarmene. Quella singola decisione è stata la prima di quello che sarebbe diventato il mio nuovo stile di vita. Ho capito di avere il potere di cambiare direzione. Quel primo no è diventato un altro no, e poi un altro ancora. Le persone hanno iniziato a capirlo. E non mi importava del loro parere. Avrei dovuto prendere quella decisione vent’anni prima, ma non avevo la sicurezza necessaria per fare quelle scelte davanti agli altri. Stavo per avere il mio primo figlio, ed ero arrivato a un punto di svolta. Dopo diecimila serate e sbornie, ho cambiato la mia vita.”

La meditazione e la scoperta di significati profondi

“Poco tempo dopo, ho smesso del tutto di uscire. Tutti andavano alle feste, e io tornavo a casa e andavo a dormire. La mattina dopo mi svegliavo e scoprivo un mondo completamente nuovo, sentendomi un essere umano per la prima volta da quando ero adolescente. Ho capito che era questo ciò che quella voce interiore aveva cercato di dirmi per tutto il tempo. Quello è stato, in sostanza, l’inizio del mio nuovo io. Sono diventato una persona diversa. Dal fumo, dall’alcol e dalle droghe, sono passato a un’alimentazione vegana, basata su cibi naturali. Prima, mangiavo ogni giorno panini presi in una qualsiasi bodega. Non facevo nulla in modo consapevole. Ora, invece, tutto ciò che facevo aveva una ragione. Mangiavo determinati alimenti per assumere fibre, perché la mia digestione funzionasse bene. E così diventavo più forte, più lucido. Quell’apertura ha condotto ad altre buone pratiche, e ho iniziato ad avvicinarmi anche al lato spirituale della vita — la meditazione, l’idea di stare in silenzio invece di fare rumore. Ho iniziato a sedermi accanto a un tipo di persone diverse, molto aperte, che non cercavano di essere cool.

Avevo un amico che lavorava con me da Rag & Bone e che faceva parte del tempio Hare Krishna. Era l’unica persona che conoscevo che mi sembrasse davvero pura: sorrideva, non si arrabbiava mai con nessuno. Aveva l’attitudine di un bambino, e questo per me era profondamente ispirante. Lo conoscevo da anni, ed è stato lui a introdurmi a quel mondo. Appena sono entrato nel tempio, tutti erano così. Puoi fare qualsiasi domanda, e nessuno ti giudicherà perché non sai qualcosa. Ho scoperto questa idea del “beginner’s mindset”: una mentalità aperta, da costante principiante. Le persone che incontravo in quegli spazi spirituali erano tutte persone con questa disposizione mentale, perché vivevano una spiritualità profonda in cui non sei tenuto ad avere tutte le risposte. Ti è permesso di non sapere. Per me, questa è stata una cosa davvero potente. In così tanti luoghi, tutti cercano di primeggiare, di avere ragione. Persino in un runclub a volte senti di dover apparire in un certo modo, o di doverti presentare in un certo modo. Lì, invece, potevi apparire esattamente come volevi. Non importava. E quella sensazione, per me, è stata molto importante. Quando percepisco quel tipo di apertura mentale, sto meglio.”

Minor Planet NY

“Tutto ciò che ho riversato nel brand nasce dal mio percorso personale. Come il viaggio di chiunque, anche il mio è stato tortuoso. Per certi versi ha molto senso, ma al suo interno esiste anche una grande dose di mistero. Le persone mi chiedono spesso come io sia arrivato a Minor Planet, e ogni volta devo rifletterci a fondo, perché ci sono stati molti momenti in cui ho cambiato direzione, avvicinandomi a ciò che questa comunità rappresenta davvero: ciò che rappresentano la running community, la comunità dello yoga e questo mondo. Mi sono mosso in quella direzione, ma per molto tempo non sono stato affatto quel tipo di persona. Ero quasi un altro individuo. Allo stesso tempo, però, la persona che sta parlando ora c’è sempre stata, in qualche luogo, dentro di me. Il modo in cui guardo al mio percorso è questo: dentro di me c’è sempre stata una natura autentica, il desiderio di essere sano, di essere riposato, di poter guardare qualcuno negli occhi con sicurezza. Ma quella voce interiore è rimasta silenziosa per moltissimo tempo, perché io facevo semplicemente ciò che facevano tutti gli altri. Nella mia vita c’erano moltissime strade che non riconoscevo. Pensavo che quello fosse semplicemente il modo in cui si viveva, finché non ho raggiunto un certo punto.

Mi sono avvicinato allo yoga e, alla fine, sono diventato insegnante. Avevo lasciato completamente alle spalle la moda. Non avevo più nulla a che fare con quel mondo. Pensavo che sarei diventato un istruttore di yoga e che mi sarei immerso profondamente nella vita spirituale. Ma, allo stesso tempo, ero sempre stato un atleta. Ero uno skateboarder, avevo giocato a calcio. L’idea di muovere il mio corpo e, allo stesso tempo, connettermi alla spiritualità mi sembrava perfetta. Questo è diventato una parte fondamentale di ciò che ho immaginato creando Minor Planet. 

Quello che sto cercando di fare è costruire una visione di vita sana, di spiritualità, integrità e gentilezza, mantenendo però intatta la dimensione della subcultura. Si tratta di persone creative, con passati poliedrici, ma che sono buone persone e che cercano di agire nel modo giusto. Non volevo perdere l’immaginario delle subculture con cui sono cresciuto, né la musica che le ha plasmate. Perché se non ci sono la musica, l’arte, la creatività e i personaggi, le persone non entreranno davvero in connessione con uno stile di vita sano, che è la parte più importante. Essere una brava persona, essere gentile con te stesso e con gli altri: questo è l’obiettivo finale. La comunità della corsa, e più in generale il fitness, sono per me dei veicoli per arrivare a quell’obiettivo finale: diventare una buona persona. È lì che entra in gioco la spiritualità.”

Sport spirituali

“Posso dire di non aver mai inventato una singola cosa nella mia vita. Per me è sempre stato: vedo qualcuno che mi ispira, e allora voglio farlo anch’io. Voglio saperne di più. Voglio vivere anch’io quell’esperienza. Se è qualcosa che mi ispira, che mi accende. A un certo punto ho sentito questo slancio verso cose a cui, improvvisamente, ero diventato ricettivo. Probabilmente erano sempre state lì. Semplicemente non le avevo mai riconosciute, perché ero disallineato. Una volta riallineato, ho iniziato a notare. Altri skateboarder che non bevevano, o che mangiavano vegano. E volevo farne parte, perché risuonavano con me. Poi ho visto altri brand, come District Vision, e ho pensato che fosse interessante. Un’azienda sportiva, che parla anche di meditazione. Io ero già profondamente immerso nella meditazione. Il solo fatto di vedere un altro brand incorporare quella dimensione mi ha fatto pensare che là fuori esistessero altre persone come me.

Poi ho scoperto quest’uomo chiamato Sri Chinmoy, un guru indiano che viveva a New York, la cui intera religione era fondata sullo sport e sulla meditazione come cammino verso la salvezza. Utilizzava lo sport per sviluppare la concentrazione, nello stesso modo in cui lo yoga viene utilizzato per raggiungere la concentrazione necessaria ad arrivare alla meditazione. La sua comunità organizza una gara molto famosa qui a New York, chiamata Sri Chinmoy race. È una corsa di 3.000 miglia, ed è interamente incentrata sull’aspetto spirituale. Conoscere lui e leggere i libri che ha scritto è stato il punto da cui ho iniziato a sviluppare questo concetto di “Spiritual Sports”.

È quasi come diventare una nuova forma di monaco, una sorta di moderno monaco skater. Questo è diventato un costrutto attraverso cui volevo vivere la mia vita. E ancora oggi non voglio cambiarlo. Voglio continuare a costruire sempre di più attorno a questi valori. La vita quotidiana è dura. Non è sempre facile. Sgrido i miei figli. Non dovrei mangiare così tanti zuccheri. Non sono perfetto. Ma ho questa cornice, questo sentiero. E cerco di tornarci sempre. Con Minor Planet, ho un pozzo infinito di creatività che nasce proprio da quel sentiero.”

Più di una pratica fisica

“Credo che la corsa possa essere osservata da diverse angolature. L’aspetto performativo della corsa mi affascina. È così semplicemente bello il modo in cui ti permette di comprendere il progresso. Questo è il tuo tempo. Questo è il lavoro che hai fatto. Sei passato da qui a qui. È chiaro, diretto. A quel punto, non importa che aspetto hai, né quale sia il tuo genere. Non esiste giudizio sullo stile. Puoi scegliere di guardare alla corsa soltanto in questo modo.

Ma puoi anche compiere una scelta consapevole e osservarla in una dimensione più meditativa. Credo che entrambe le cose possano accadere nello stesso momento. Io ricado continuamente nel lato performativo. Sono sempre su Strava. Ma a volte devo spostarmi consapevolmente verso l’altro aspetto della pratica e condurre la mia personale ricerca. Come mi sento quando corro? Sono concentrato? Posso fare qualcosa di più per sentirmi allineato, a mio agio, autentico in ciò che sto facendo? A volte sono fuori asse, altre volte sono presente. Ma, alla fine, ciò che cerco davvero di mettere in pratica è questo, usare la corsa per essere, in un momento successivo, una persona più paziente, meno reattiva. Come qualcuno più capace di governare il proprio mondo interiore. Per me questo è l’aspetto più importante, perché dura più a lungo della corsa stessa. È quella la vera salute. Se non fai chiarezza con ciò che accade dentro di te, puoi correre quanto vuoi e comunque non essere sano. Puoi continuare a portarti addosso malattia e stress, se non utilizzi la pratica per regolare il tuo sistema nervoso e calmarti. Fallisco praticamente ogni giorno. Continuo a sbagliare. Ma ogni volta che riesco a prendere le decisioni giuste grazie a quella pratica, è una vittoria. È lì che vedo la corsa come una pratica spirituale: un modo per trascendere ciò che sei e ciò che ti circonda.”

Continuare a promuovere

“Per quanto riguarda il modo in cui vedo me stesso e Minor Planet inserirsi nel panorama del running moderno, è difficile definire una visione precisa. In un certo senso, procedo giorno per giorno. Tengo la testa bassa e cerco di fare il lavoro che sento più allineato possibile. Credo che l’estetica del mio brand rifletta questo. Non sono giovane, ho appena compiuto cinquant’anni, ma sento di essere a mio agio con chiunque. Sono sempre aperto a una conversazione.

Oggi ci sono molti brand che stanno entrando in questa mentalità, in cui movimento e meditazione diventano una filosofia centrale. Amo vedere tutto questo. Ovviamente, la narrazione e lo storytelling di ciascuno nasceranno dalla propria personalità, o dalla propria struttura aziendale. Per Minor Planet, possono esserci valori e convinzioni di fondo simili a quelli di alcuni di questi altri brand, ma verranno espressi in un modo diverso. Voglio rappresentare le cose che ho vissuto, le cose che considero belle, interessanti e forse significative anche per gli altri. Non voglio creare qualcosa che le persone abbiano già visto, o qualcosa che non porti con sé una storia. È per questo che la cultura skate, la meditazione, la filosofia yoga, l’arte dei graffiti, entrano nel mondo di Minor Planet.

When I think about the demographic of people who might buy the clothes, I’m not very strategic about it. I really just moved from inspiration. The aesthetic of the brand still seems to slip back into the era of something loose, flowy, relaxed, but also cool. Now we have this shop on the Lower East Side and it’s kind of funny, because I now occupy this small gallery-like space, with garments just thrown on the wall, in the same place I saw my favorite shops growing up. As Minor Planet grows, it will be interesting to see, through other opportunities, what it starts to look like.”

Comincia con un sogno. Nel quartiere dove cresciamo. Tra le persone che conosciamo, o impariamo a conoscere, attraverso un semplice, magnetico moto sferico. In Messico, una delle patrie passionali del futbol, il concetto di sogno si tinge di tradizione e richiami storici, di pratiche spirituali, più che sportive… di amore e possibilità.

È un sogno più grande del campo, quello idealizzato e trasformato in design da Willy Chavarria e adidas Original per la Federación Mexicana de Fútbol: una matrice calcistica, certo, applicabile però a qualsiasi ambito personale e professionale, compreso quello fashion. Un seme individuale e collettivo, in grado di mostrare vie alternative ad intere esistenze.

Da queste consapevolezze, affiora una collezione che, a pochi passi dal Mondiale co-ospitato dal Paese ‘Tricolor’, unisce la forma d’ispirazione più alta del Beautiful Game, quotidianamente vissuta nelle strade e nei campetti di ogni dove, il suo futuro che avanza, rappresentato dal coinvolgimento attivo dei giovani talenti de ‘El Tri’e i rituali senza tempo di uno sport divenuto linguaggio globale, come l’onirico spazio che precede ogni partita. Suggestioni, che prendono forma in oggetti dal significato non solo estetico, ma profondamente culturale, persino artistico.

Lo stesso sogno riecheggia, non per caso, nella biografia personale di Willy Chavarria, visionaria mente creativa che, attraverso il contatto con le three stripes, ha potuto riflettere sul proprio cammino: da Huron all’apice della dimensione fashion, seguendo una stella polare che mai ha smesso di splendere. Un sogno, per l’appunto. Nato per caso. Coltivato nella passione e nel contatto umano, per giungere ad apici impronosticabili.

Ed ecco, in un istante, azzerarsi qualsiasi distanza tra designer e calciatore. Tra arte e futbol.

‘Comienza Con El Sueño’, un titolo estremamente lirico per una collezione che prende spunto da un momento altrettanto lirico del Beautiful Game. Come sei arrivato ad isolare i rituali prepartita calcistici, e la loro potenza narrativa, per definire la collezione adidas Originals x Federación Mexicana de Fútbol? Questo nucleo tematico scaturisce anche da tue dirette esperienze sportive?

Willy Chavarria: “Ho sempre nutrito un’ammirazione per gli atleti, per chi scende in campo. Vivo lo sport, in questo caso il calcio, come si vive la musica. Ogni giocatore porta un contributo essenziale, qualcosa che nasce in modo naturale e che coinvolge tutti in una creazione artistica irripetibile. Nulla di veramente bello nasce da un singolo individuo. Per raggiungere la grandezza, è necessario il connubio tra passione per la natura umana e dedizione”

Nel linguaggio di questa collezione, ‘El Sueño’ sta per la tensione magnetica dello speech in spogliatoio a pochi minuti dal calcio d’inizio, ma anche come metafora dell’obiettivo sportivo che, sin dalla tenera età, è in grado di definire interi percorsi e persino identità, pur mantenendo loro radicate alle origini. Nel caso del tuo percorso creativo e umano, cos’ha rappresentato il concetto di ‘Sueño’?

Willy Chavarria: “El Sueño è una stella polare. Ogni sogno, a prescindere dalla sua dimensione, è un obiettivo che diventa struttura e luce guida. Analogamente a questa campagna, il mio percorso è iniziato ad Huron, la mia città natale, dove non esisteva alcuna vicinanza con la fashion industry. La mia famiglia, i miei amici e i miei vicini hanno plasmato in me un desiderio di creare che, all’epoca, nemmeno poteva essere formulato attraverso il concetto di fashion designer…”

All’interno del racconto di questa collezione hai deciso di dare spazio ai luoghi-quintessenza del sistema calcistico centro e sudamericano, i campetti di quartiere, dedicando loro una serie di video intitolati, non a caso, ‘El Barrio’. Cos’ha significato, per te, mettere in risalto luoghi così rilevanti non solo per la cultura calcistica messicana, ma per la sua società?

Willy Chavarria: “Per me era fondamentale mettere in luce proprio il luogo in cui, tutti i giorni, i sogni dei bambini nascono e prendono forma. Il calcio ha visto emergere grandi atleti da ogni contesto sociale, perché è uno sport relativamente accessibile rispetto ad altri. Sappiamo che, per la maggior parte dei bambini provenienti da contesti marginalizzati, il campo di quartiere, spesso un parco pubblico o una strada vuota, rappresenta il palcoscenico in cui coltivare sogni sostenuti dalla comunità. Gli allenatori scolastici, i ragazzi più grandi, gli zii e le zie coinvolti nelle partite, pronti a dare consigli… sono tutte persone che riconoscono questi sogni, e che contribuiscono a mantenere viva la luce che portano con essi”

Se nel ‘Barrio’ i talenti del futuro costruiscono il loro sogno, lo stesso vale per coloro che stanno costruendo il sogno del futuro ‘El Tricolor’. Perché hai deciso di coinvolgere il nuovo che avanza, ovvero i più giovani, in questa campagna? Che tipo di messaggi vuole evidenziare questa scelta, soprattutto in vista del Mondiale senior di quest’estate?

Willy Chavarria: “Questi giovani atleti sono il futuro del calcio ed è stato un onore averli come interpreti del concetto ‘El Sueño’. I giocatori tra l’U20 e l’U25 sono straordinari: il lavoro con cui contribuiscono a far proseguire la tradizione calcistica messicana è fondamentale. Volevamo assicurarci che il loro impegno fosse riconosciuto e celebrato, mentre continuano a crescere e a lavorare per raggiungere i propri sogni”

La collezione tocca e rielabora sia l’estetica messicana, e alcuni dei suoi simboli più significativi, che alcuni oggetti di culto adidas, per esempio le leggendarie Predator. Come si pone la lente di un creativo del tuo spessore quando deve rielaborare dei veri e propri patrimoni culturali, e filtrarli attraverso il proprio gusto, e la propria visione? Sotto questo punto di vista, che stimoli extra infonde la collaborazione con un brand come adidas Original?

Willy Chavarria: “La simbologia messicana possiede intrinsecamente forza e spiritualità. I motivi/richiami che abbiamo inserito nella collezione sono pensati per trasmettere a chi li indossa un senso di fiducia, di protezione... adidas è straordinaria nel dare forma a una visione culturale, mantenendo al tempo stesso silhouette contemporanee e una grande competenza tecnica. La collaborazione tra Willy Chavarria e adidas Originals non è soltanto estetica, ma una forte fusione di tradizioni”

Hai già portato alcuni di questi oggetti sulle passerelle, proponendo una naturale fusione tra immaginario calcistico e fashion. A tuo avviso, oggi qual è lo stato dell’arte del rapporto tra queste due dimensioni? Quali sono i segreti per creare, come pare cristallino nel caso della collezione “Comienza Con El Sueño”, un equilibrio organico tra loro? E quali, invece, i rischi da evitare?

Willy Chavarria: “Il calcio è sempre stato uno sport stiloso, indipendentemente dalla sua effettiva intenzionalità nel volerlo essere. I giocatori hanno stili distinti e personali, mentre gli allenatori appaiono sempre impeccabili e sofisticati. Il rapporto tra calcio e fashion continua a rafforzarsi, anche perché gli Stati Uniti stanno recuperando terreno in questo sport globale: lo vediamo, ad esempio, dal modo in cui le maglie occupano sempre più spazio nell’hype culture. I calciatori portano con loro una rara combinazione di durezza ed eleganza: dicotomia che il brand Willy Chavarria ha sempre incarnato. L’allineamento di questo ethos ha creato una base naturale su cui poter concepire i design di questa collezione dedicata alla nazionale messicana”

Concludendo sul tema, per Athleta Mag lo sport è sinonimo di arte e cultura. In che modi e forme un creativo del tuo spessore viene contaminato dall’immaginario sportivo, passato e contemporaneo? Dove e come lo sport è riuscito e riesce tutt’ora ad influenzare la tua ricerca artistica?

Willy Chavarria: “Un campo aperto, la domenica pomeriggio, che si riempie di giocatori destinati a diventare subito compagni. Ho sempre ammirato questa forma d’arte spontanea, capace di una grazia e di una disciplina per cui, da bambino, non avevo ancora parole. Per me il calcio era già arte, già preghiera. Il ring, il campo, la passerella… condividono la stessa architettura emotiva: l’ingresso, il kit, la musica, il silenzio prima dell’inizio. È teatro. È chiesa. Quando disegno una maglia o una giacca da riscaldamento, penso alla cultura, ai lottatori, agli uomini della generazione di mio padre che entravano in un’arena pretendendo di essere visti. Penso a come un corpo, vestito con intenzionalità, possa reclamare bellezza, grazia e forza davanti al mondo. Lo sport me lo ha insegnato molto prima della moda”

L’asfalto può sprigionare differenti forme di creatività ed espressione personale. Quelle garantite dalle monoposto F1 più veloci del momento, per esempio. Oppure, quelle ricercate dall’artigianalità progressista Y-3. Entità che, proprio sull’asfalto, hanno intessuto e continua ad arricchire un dialogo aperto, quello tra il Circus F1 e il fashion. Conversazione mai, come oggi, rilevante e stratificata. 

In questo comune e reciproco scambio di energie, la sinergia Y-3 - Mercedes-AMG PETRONAS F1 non può che porsi in una condizione apicale. Eccellenze a confronto, o meglio, che confluiscono nei design di una collaborazione dal sapore chiaroscuro e vivido, dove il racing attuale e tre sue monumentali personalità – Toto Wolff, Kimi Antonelli e George Russell – mettono a confronto tracciato e strada, cultura sportiva e mitologia giapponese, dettaglio e performance. 

Un’unione di mondi che ci siamo fatti illustrare dalla direttrice creativa incaricata di comporre la narrazione visuale di questa partnership, nonché un’esperta di lunga data dell’ecosistema che Athleta Mag stesso popola, quello delle pubblicazioni cartacee: SJ Todd.

From the Track to the Street. Quando hai ricevuto la richiesta di lavorare sul connubio Y-3 - Mercedes-AMG PETRONAS F1 che pensieri ti hanno attraversato? Cos’ha rappresentato e cosa rappresenta, ai tuoi occhi, il contatto tra queste due entità apicali, rispettivamente del mondo design e motorsport? 

“La prima reazione, al di là del cercare di non soffermarmi troppo sulla portata della collaborazione, è stata concentrarmi su quanto sia incredibilmente ispirante la mentalità dei piloti. Il livello di concentrazione, continuità e sangue freddo che riescono a mantenere nel tempo ha qualcosa di, quasi, sovrumano. C’era, ovviamente, anche una forte gratitudine nel lavorare con due realtà così importanti, ma abbiamo cercato di trasformare quell’energia in qualcosa di concreto, senza sovraccaricarla di pensieri. Quella stessa attitudine è diventata il nostro punto di partenza, ed ha subito orientato la direzione narrativa. Abbiamo iniziato a lavorare su come tradurla in un linguaggio visivo, esplorando diversi approcci e possibilità di racconto capaci di offrire uno sguardo nuovo. Allo stesso tempo, la precisione e la cura del dettaglio tipiche di Y-3 e Mercedes-AMG PETRONAS F1 hanno alimentato ulteriormente questa direzione. È proprio questo senso di disciplina condivisa, questo rigore che arriva da due mondi diversi, ad aver reso la collaborazione così forte e significativa”

Toto Wolff, George Russell e Kimi Antonelli sono stati ritratti in una nuova, affascinante e vertiginosa, dimensione intergenerazionale. Com’è stato collaborare con personalità così riconosciute e, allo stesso tempo, differenti tra loro? E quanta consapevolezza estetica/fashion si ritrova, oggi, in figure sportive di questo calibro? 

“Lavorare con loro è stato molto naturale, ma sempre con un altissimo livello di professionalità. Ognuno porta con sé una personalità molto definita, e per me è sempre stimolante confrontarmi con questo tipo di dinamiche. Le differenze non complicano il processo, lo arricchiscono: entrano direttamente nel racconto e nel risultato finale, rendendo il lavoro più stratificato, più vivo. Trovo altrettanto interessante il modo in cui atleti, musicisti e figure di questo calibro riescano a essere completamente presenti nel momento. Intorno a loro c’è un’enorme pressione, ma riescono a convogliare tutto in un unico punto, quello della performance. È qualcosa che offre prospettiva, e che fa emergere chiaramente il legame tra processo creativo e intenzione, tra ciò che ognuno porta nello spazio condiviso. La sensibilità per la moda, in realtà, c’è sempre stata: gli atleti più completi le hanno sempre dato spazio. La differenza oggi è quanto venga sostenuta e valorizzata. Brand come Y-3 stanno spingendo molto in questa direzione. Collaborazioni come questa non si limitano a raccontare un cambiamento, ma mostrano concretamente cosa succede quando questi mondi iniziano davvero a incontrarsi”

La capsule Y-3 - Mercedes-AMG PETRONAS F1 è popolata di oggetti dall’altissimo potenziale iconico. C’è stato un prodotto che hai particolarmente apprezzato o che ha avuto maggiore risalto davanti ai tuoi, esperti, occhi? 

“Il bomber mi ha colpito immediatamente, fin dal primo momento in cui ho ricevuto la collezione!”

La tua direzione creativa non si limita a campagne di questo genere, ma tocca anche un panorama a noi molto caro: quello dei magazine. Quale pensi sia il valore aggiunto, da un punto di vista culturale, conferito dal navigare e operare in questo universo specifico? L’elemento sportivo come rientra nella tua esplorazione quotidiana ispirata dai media che dirigi? 

“I magazine introducono una fluidità diversa nel modo di costruire immagini e video. È un processo più organico, più libero, soprattutto nelle dinamiche di collaborazione. Si crea uno spazio in cui le persone possono lavorare in modo diverso, e questo scambio finisce per influenzare anche tutto il resto. A livello personale, è importante sapere che due volte l’anno esiste un lavoro fisico, distribuito a livello globale. Ti permette di rallentare il ritmo e di collaborare con persone che stimi, da cui trai ispirazione. Continuare a curare la direzione artistica di mag è qualcosa che vivo come un grande privilegio”

Infine, una riflessione più ampia sul rapporto F1 - fashion. Avendo vissuto e plasmato in prima persona un capitolo essenziale nell’evoluzione di questo rapporto, come speri si evolverà nel futuro, anche grazie all’esempio virtuoso Y-3 - Mercedes-AMG PETRONAS F1? 

“All’inizio del progetto la mia conoscenza della Formula 1 era piuttosto basilare. Però, ogni brief per me è un’opportunità per applicare uno sguardo nuovo, affrontando le cose da un’altra prospettiva. Y-3 e Mercedes-AMG PETRONAS F1 hanno reso possibile questo approccio, ed è stato davvero stimolante costruire insieme il processo. Avere punti di vista diversi all’interno della collaborazione è stato fondamentale. C’è stato un dialogo continuo, per fare in modo che tutto rimanesse coerente ma anche autentico. Più in generale, credo che il rapporto tra sport e moda continuerà a evolversi, e la Formula 1 è uno spazio chiave in questo senso. È stato interessante vedere George, Kimi e Toto entrare in relazione con il progetto, in parallelo al momento positivo del team all’inizio del campionato. Tutto sembra muoversi insieme, ed è una direzione molto stimolante”

C’è un conforto inatteso nel perdersi. Inizia con il respiro greve delle cascate, dove l’acqua si fa ghiaccio e il sentiero comincia a dissolversi sotto i piedi. Ci si muove non per arrivare, ma per appartenere al freddo. Quando si raggiunge il lago ghiacciato, il mondo si apre in una geometria vasta e silenziosa. Ogni passo diventa un dialogo consapevole con il gelo. Qui, il paesaggio non si limita a circondare: vibra sotto la sua stessa superficie, come una forza quieta, trattenuta, in equilibrio. Poi, l’orizzonte scompare. Il mondo si trasforma in una foschia bianca e muta, e la mappa mentale svanisce. Finisce la ricerca della destinazione, comincia quella della percezione del momento: il morso dell’aria, il ritmo costante del cammino, il peso del silenzio. Due figure, sfocate nella tempesta, guidate soltanto dal bagliore tenue della propria luce. In questa sospensione di spazio e tempo, l’hiking non è più una distanza da percorrere, ma una condizione dell’essere. Perché nel bianco assoluto, perdersi è l’unico modo per ritrovarsi.

Un istituto di ricerca fittizio, dalle sfumature retrofuturistiche. Una fusione tra artigianalità, oltre che minimalismo giapponese, e design italiano. Una commistione sperimentale di arte, intesa come insieme di forme tangibili e intangibili, e attività fisica. Soprattutto, un luogo dove cinque differenti spazi attivano e, a loro volta, si attivano nei sensi e nel movimento. 

Il Kinetic Playscape si rivela alla Milano Design Week come un tributo alle nuove GEL-KINETIC 2.0, ultimo simbolo del costante, e strutturale, processo di contaminazione tra passato e futuro di ASICS. Da questa sneaker ha preso ispirazione lo studio NUOVA (New Understanding of Various Artifacts), plasmando una scenografia interattiva che parla di viaggio: temporale, multisensoriale, ludico, creativo. L’esito di questo itinerario è una rapida, eppure profondamente significativa, visita tra il terrestre e il trascendente, tra atto e concetto, dove ad ogni corpo è dato trovare il senso ultimo del movimento: il pieno equilibrio umano, espresso dalla filosofia ‘Sound Mind, Sound Body’. 

Un equilibrio che, metaforicamente, si riflette anche nel rapporto tra prodotto, identità, immaginario sportivo ed espressione artistica professato dalla visione contemporanea di ASICS, qui raccontato dalla testimonianza di Alvaro Moreno de la Cruz, Global Head of Marketing, ASICS SportStyle, e dagli architetti del Kinetic Playscape, Enrico Pietra e Rodrigo Caula dello studio Nuova. 

Alvaro Moreno de la Cruz | Global Head of Marketing, ASICS SportStyle

Ad Athleta Mag piace cominciare ogni intervista partendo dal rapporto personale di ogni intervistato con l’immaginario sportivo. Cos’ha rappresentato e cosa rappresenta nella tua vita lo sport?

Alvaro Moreno de la Cruz: “Lo sport è sempre stato una costante nella mia vita. Fin dall’infanzia sono stato molto attivo: giocavo a rugby, e l’attività fisica è un qualcosa con cui sono cresciuto in modo naturale. Con il tempo ho imparato a considerarla come una base per il mio equilibrio. Offre struttura, ma anche sollievo, sia fisico che mentale. Oggi resta una priorità. Ho bisogno di correre due o tre volte a settimana e considero le partite di calcio non solo come puro esercizio, ma anche come momenti di socialità. Più in generale, credo profondamente che il movimento sia essenziale: non solo a livello individuale, ma come strumento per incidere positivamente sulla società e sulle comunità. È una convinzione centrale anche per ASICS, e qualcosa con cui mi identifico in modo autentico. È anche uno dei motivi per cui sento una così forte affinità con ciò che facciamo.”

Proseguendo sul tema biografico, hai ricoperto diversi ruoli in ASICS, cominciando da Senior Sales Manager, fino a ricoprire il ruolo di Global Head of Marketing, che significati incarna ai tuoi occhi, dopo averla potuta vivere così profondamente, la filosofia ‘Sound Mind, Sound Body’?

Alvaro Moreno de la Cruz: “Nel corso degli anni ho assistito a un cambiamento significativo. Quando sono entrato, l’ampio dibattito culturale attorno allo sport e al benessere non era così cruciale come oggi. L’industria era guidata soprattutto dal lancio di sneaker e dalla logica dell’hype: qualcosa che non ha mai fatto realmente parte del nostro approccio, né della nostra missione. Il tempo ci ha permesso di abbracciare pienamente ciò che siamo come brand. ‘Sound Mind, Sound Body’ significa creare prodotti che consentano alle persone di muoversi di più e di sentirsi meglio nel farlo. E quel movimento fisico ha un impatto diretto e positivo sul benessere mentale. All’interno dell’azienda, questa convinzione è profondamente condivisa. Il team ASICS è composto da persone che credono davvero in questa filosofia: non è soltanto un messaggio, è qualcosa che si vive quotidianamente. Ed è proprio questo a rendere così naturale il nostro coinvolgimento in ciò che facciamo. È autentico.”

Ascoltando le tue dichiarazioni, appare chiaro come ti stia particolarmente concentrando sulla rilevanza e sul posizionamento culturale del brand. Per Athleta Mag lo sport è sinonimo di arte e cultura: per ASICS che valore assume il rapporto con queste due dimensioni?

Alvaro Moreno de la Cruz: “È una domanda molto interessante. Siamo profondamente radicati nello sport, per esempio nel running e nel tennis, e non cerchiamo di nasconderlo. È ciò che definisce il nostro posizionamento, offrendoci una base solida e autentica. Allo stesso tempo, nel momento in cui cerchiamo di espandere il nostro raggio d’azione e costruire connessioni più profonde con il nostro pubblico, la dimensione culturale diventa sempre più centrale. Ci interessa il coinvolgimento, la risonanza emotiva, la costruzione di qualcosa di duraturo. Se altri brand scelgono un approccio più esplicito o accelerato alla cultura, noi preferiamo sviluppare questa connessione in modo organico. La cultura richiede tempo: richiede pazienza e coerenza. Deve nascere da un terreno naturale. È per questo che momenti come la Milano Design Week assumono un significato particolare. Ci permettono di raccontare la nostra visione e il nostro design in un contesto affine ai nostri valori. La Milano Design Week non riguarda solo l’arredo o l’arte: riguarda l’artigianalità, declinata in molte discipline. È una prospettiva che risuona profondamente con noi, soprattutto se si pensa alla tradizione artigianale giapponese, da sempre alla base dei nostri prodotti. È qui che notiamo il vero punto di contatto: sport, design e cultura si mostrano come livelli complementari. E crediamo di avere un ruolo preciso all’interno di questo spazio.”

La sneaker GEL-KINETIC 2.0 come s’inserisce nel percorso attuale di ASICS? Perché avete deciso di elevarla in questa Milano Design Week?

Alvaro Moreno de la Cruz: “Il prodotto, in fondo, parla da sé. Il linguaggio progettuale della GEL-KINETIC 2.0 è estremamente avanzato e progressivo: è una chiara espressione del principio per cui la forma segue la funzione. Al di là dell’estetica, si tratta di comfort e stabilità. È una scarpa pensata per chi trascorre molte ore in piedi, pur mantenendo un’identità visiva molto distintiva. In ASICS siamo orgogliosi di portare la tecnologia in primo piano, quella che definiamo ‘visible tech’, e questo modello ne è una delle espressioni più compiute. Per questo la Milano Design Week si è rivelata il contesto naturale per presentarla. Non esiste luogo migliore per parlare di design a questo livello.”

L’ASICS Kinetic Playscape: un’installazione pubblica immersiva, un’esperienza spaziale di mente e corpo in armonia, una fusione tra design radicale italiano e minimalismo giapponese… Qual è la tua definizione di quest’attivazione? E cosa vuole trasmettere e far vivere ASICS attraverso un’installazione di questo genere?

Alvaro Moreno de la Cruz: “Mette in mostra un ambiente che potremmo definire retro-futurista. In ASICS, l’innovazione è sempre accompagnata dalla riflessione: si procede in avanti, ma si guarda anche indietro. Questo approccio affonda le radici nel concetto giapponese di kaizen, ovvero di miglioramento continuo: apprendere dal passato per orientare il futuro. La GEL-KINETIC 2.0 è già di per sé un’evoluzione, e il Kinetic Playscape incarna la stessa logica. È un’esperienza ludica, che al tempo stesso esplora il futuro attraverso una lente quasi nostalgica: c’è un’atmosfera che richiama gli anni Ottanta, con suggestioni kubrickiane. È un contrasto voluto, e particolarmente efficace. Al centro, però, resta il movimento. La nostra ambizione è dimostrare che il movimento, anche il più minimo, produce un impatto positivo. Non serve correre trenta chilometri: bastano pochi minuti di attività per generare un senso di benessere mentale. Il contesto progettuale è fondamentale, riflette tanto la nostra eredità giapponese quanto la città che ci ospita, ma, in ultima analisi, l’obiettivo è semplice: permettere alle persone di sperimentare direttamente come il movimento le possa far sentire. Interagire con lo spazio, giocare, e uscirne con una percezione di benessere accresciuta.”

Per l’ASICS Kinetic Playscape avete coinvolto anche un artista sonoro del calibro di Mateo Garcia e il visionario studio di design, di base a Los Angeles, NUOVA. Il suono entra, in qualche modo, anche nel vostro claim: cosa rappresenta per ASICS il coinvolgimento di artisti e creativi in progetti speciali?

Alvaro Moreno de la Cruz: “Tutto riconduce al concetto di artigianalità. Negli ultimi tempi ci siamo interrogati su ciò che davvero ci definisce: non tanto l’innovazione in sé, quanto l’idea che ogni cosa che realizziamo sia radicata nell’artigianalità giapponese. Si tratta di decenni di affinamento, attenzione al dettaglio, qualità, vestibilità. Lo stesso principio guida anche le nostre collaborazioni con gli artisti. Che si tratti di musicisti, designer o architetti, ciò che ci accomuna è una dedizione condivisa al fare: anni di pratica, profondità di competenze, capacità di mettere in relazione discipline diverse. È in questo processo di confluenza che si generano significative sinergie. Per noi, è uno spazio estremamente fertile, che vogliamo esplorare ancora di più. Soprattutto oggi, in un mondo sempre più plasmato dall’intelligenza artificiale, esiste un valore concreto nel riconnettersi a ciò che le persone sanno creare con le proprie mani e con il proprio pensiero. Collaborare con gli artisti è un modo per celebrare questo principio e per affiancarci a individui che condividono la nostra stessa visione.”

Enrico Pietra & Rodrigo Caula | Design Studio NUOVA

Che cosa ha rappresentato lo sport nella vostra vita e cosa rappresenta oggi?

Enrico Pietra: “Lo sport riveste un ruolo fondamentale nella mia vita. Forse non è la prima cosa in assoluto, ma di certo ci si avvicina molto. Per me l’attività fisica è inseparabile da una condizione di benessere: senza allenamento non mi sento in equilibrio. Il mio percorso non è mai stato orientato all’eccellenza in una singola disciplina, quanto piuttosto alla curiosità e all’esplorazione. Ho sempre amato sperimentare sport diversi: ho iniziato con il basket, sono passato alla boxe, poi mi sono fermato per concentrarmi maggiormente sulla palestra e, più recentemente, sono tornato a pratiche come il jiu-jitsu, affiancate alla corsa. Il movimento, in tutte le sue forme, è sempre stato una costante.”

Rodrigo Caula: “Ho giocato a calcio per vent’anni, quindi è letteralmente nel mio sangue: sono argentino, dopotutto... Ho iniziato a cinque anni ed è una parte della mia vita che ha definito profondamente chi sono. Negli ultimi anni mi sono avvicinato a pratiche come lo yoga e il Pilates. Il movimento resta essenziale. In passato, ho anche corso su pista, sulle medie e lunghe distanze, quindi il rapporto con il corpo è sempre stato presente. Per me restare attivo non è solo importante: è necessario.”

Ad Athleta Mag consideriamo lo sport una forma di arte e cultura: quale ruolo dovrebbero avere queste dimensioni—arte, cultura e, nel vostro caso, design—nell’immaginario sportivo contemporaneo e nell’identità di un brand come ASICS?

Enrico Pietra: “Lavorare con ASICS è stata l’occasione per ripensare la scarpa come strumento di performance: l’elemento essenziale che accompagna ogni movimento, sul campo, in allenamento o in palestra. Partendo da questi concetti, è interessante collocare il prodotto in contesti differenti, permettendo alle discipline e agli ambienti di intersecarsi. Running, training, sollevamento pesi, design, arte… Tutto si sovrappone, generando una visione dello sport più fluida e integrata.”

Rodrigo Caula: “La vedo come la prossima frontiera. Si tratta di un’evoluzione continua: affinare, contaminare, mettere in relazione realtà diverse. Questo è il momento giusto perché questi mondi entrino in collisione. Oggi le persone non vogliono più soltanto osservare: vogliono partecipare. Cercano un’esperienza completa, immersiva. E credo che questa convergenza tra sport, arte e cultura risponda esattamente a questa esigenza.”

Com’è stato progettare uno spazio ispirato alla GEL-KINETIC 2.0? Che tipo di processo creativo avete seguito per definire il Kinetic Playscape?

Enrico Pietra: “Siamo profondamente legati alla tradizione, ma sempre proiettati verso il futuro, e ASICS incarna perfettamente questa tensione. Lo si percepisce chiaramente nella GEL-KINETIC 2.0: una forte eredità che si combina con nuove tecnologie. Il nostro approccio ruota attorno al retro-futurismo. Lavoriamo spesso sull’idea che viaggiare nel tempo sia possibile. In questo progetto abbiamo immaginato di riportare le persone nel Giappone degli anni Ottanta, all’interno di una struttura di testing dove incontrare la scarpa per la prima volta, per poi viverla in modi inaspettati, quasi come se ci si trovasse sulla luna, sperimentando attraverso il movimento e la gravità. Il percorso si trasforma poi nuovamente, conducendo in una reinterpretazione di una tradizionale sala da tè giapponese, con tatami, riletta però in chiave contemporanea, attraverso nuovi pattern e materiali. È un gioco di stratificazioni tra tempo, cultura ed esperienza.”

Rodrigo Caula: “We started from the concept embedded in the ASICS name itself: ‘Anima Sana in Corpore Sano’. That became the foundation of our research and the structure of the experience. The idea was to create a kind of journey, almost like a performance, guiding people through different states. When you enter the changing room, the goal is to downregulate the nervous system: to bring you into a calm, neutral state. Then, once you put on the shoes, you move into the Playscape, where everything shifts: sound, scent, energy, all working together to activate you. Finally, the experience resolves in the tea room, where you can relax, absorb everything, and return to a more grounded state. It’s a cycle: an interplay between activation and recovery.”

Avendo esplorato ASICS così a fondo, che cosa significa oggi per voi la filosofia ‘Sound Mind, Sound Body’?

Enrico Pietra: “Non medito nel senso tradizionale del termine, ma per me il movimento è una forma di meditazione. Correre, sollevare pesi: sono i momenti in cui mi riallineo. Inizio sempre la giornata con l’attività fisica. È ciò che ne determina il tono. Senza, so già che la giornata non avrà lo stesso equilibrio.”

Rodrigo Caula: “Per me la meditazione è una componente essenziale della quotidianità. Pratico meditazione vedica sia al mattino, che alla sera: è il mio modo di disconnettermi dal rumore esterno e riconnettermi con me stesso. Mi aiuta a ritrovare equilibrio, a restare centrato e a mantenere un legame profondo tra mente e corpo. Lo sport completa questo processo, sostenendo il benessere generale e rafforzando una condizione di armonia.”

Il trail running si manifesta, nel suo stadio più lirico, come condizione percettiva, più che come atto cinetico. Appoggio dopo appoggio, il paesaggio viene filtrato in funzione del movimento: in virtù di una sete d’esplorazione tanto esteriore, quanto interiore. Il campo visivo si restringe. Il corpo evolve in una dimensione terza, dove si ritrova disperso, eppure profondamente a fuoco. Fluttua, in un piano sequenza di suggestioni. In un tunnel alterato e alterante. 

La mente oscilla in quest’effimero corridoio sensoriale, registra lampi naturali sotto forma d’ostacoli o intuizioni. Un’altra salita, e l’esperienza diretta arriva a coincidere con la visione indiretta. Un’altra discesa, e l’immaginazione si ritrova ad inseguire una realtà sempre più irregolare: un paesaggio destinato a perdere definizione, trasformandosi in una sequenza di pattern ricorrenti. Di suoni e percezioni. Di echi prossimi. 

Come durante la massima trance artistica, la ripetizione pregressa, allenata e raffinata, sfocia d’un tratto nell’anticipazione. Nell’automatismo. Nell’invenzione. Lo spazio segue il ritmo, adattandosi ad un tempo, ormai, non più lineare. Ad esistere è solo il passo successivo: già conosciuto, già effettuato. Il ciclico compimento di un rito dissociativo. Il ritorno in una geografia sospesa, dove tutto ciò che circonda, non fa che avvolgere. E canalizzare.  

Questo progetto editoriale è stato prodotto da Stoked Studios e supportato, oltre che reso possibile, da Saucony e Wild Tee.

‘Life in Motion. La Bellezza dell’Umanità in Movimento’. Lo scorso venerdì, l’Arena di Verona ha dato il via ai Giochi Paralimpici Invernali, con una monumentale cerimonia plasmata da Filmmaster che, per l’appunto, nella Bellezza dell’Umanità in Movimento ha visto il suo tanto tangibile, quanto intangibile cuore pulsante. 

A vestire questa celebrazione in grado di parlare un linguaggio ben più ampio di quello sportivo è stata la Costume Director Silvia Ortombina | Tiny Idols. Stylist assurta ai vertici del panorama musicale italiano, negli ultimi anni Silvia ha associato la sua visione artistica all’immaginario sportivo, divenendo Fashion Editor di Athleta Mag e trovando nello sforzo fisico una musa per la sua espressione creativa. 

Orgogliosi di questa recentissima pietra miliare raggiunta nel suo percorso, abbiamo chiesto a Silvia di mettere in fila una serie di emozioni, amplificate dalle sue origini veronesi, riflessioni e dati biografici atti a spiegare cosa significhi, per lei, il contatto tra fashion e sport: un’occasione che ci ha anche permesso di riflettere su filoni specifici ed estremamente rilevanti nella contemporaneità, come quelli dell’adaptive wear e della sostenibilità. 

Ad accompagnare l’intervista, una gallery delle sue creazioni apparse nella notte di Verona e alcuni speciali editoriali curati da Tiny Idols per Athleta Mag. 

Come sono entrati il fashion e lo sport nella tua vita, e quanto ha contato la tua famiglia nel plasmare questo peculiare connubio?

“In realtà, per me con questa cerimonia si chiude ed apre un cerchio importante della mia vita: sia lo sport, che la moda sono sempre stati molto vicini alla mia famiglia. Mia madre e mia zia avevano un’azienda di moda e negli anni ’80 si occupavano soprattutto di skiwear e giacche a vento. Confezionavano capi che facevano parte dell’immaginario sportivo molto iconico legato indissolubilmente a quel periodo. Successivamente, mio zio è divenuto braccio destro di Peter Steinenbronn e si è ritagliato un ruolo importante nello sviluppo di un filone di quella che potremmo definire la sport couture degli anni ’80. Ricordo molto bene che, quando ero piccola, veniva spesso a casa e passava ore a fare bozzetti legati alle sue creazioni. Un giorno, per esempio, mi regalò la divisa delle Olimpiadi invernali dell’Austria, su cui aveva lavorato. Vedere nascere quei disegni davanti ai miei occhi è stato un qualcosa che mi ha sicuramente influenzata”

In Athleta raccontiamo lo sport come una forma artistica e culturale. Anche lo styling è, a suo modo, una forma artistica e culturale. Cosa significa per te essere una stylist? E se dovessi descrivere la tua filosofia artistica, come lo faresti?

“Per me essere una stylist significa costruire un linguaggio visivo, creare immagini che raccontino una persona, un momento, un immaginario… Che veicolino un messaggio. La mia filosofia nasce spesso dall’incontro tra mondi diversi. Contaminare è la parola d’ordine: toccare e mettere in comunicazione sfere quali quella dell’arte, della musica, del cinema, dello sport... Mi interessa molto osservare il corpo in movimento, la disciplina, la forza del gesto. In questo senso, lo sport è una grande fonte di ispirazione, perché contiene una dimensione molto autentica. Il mio lavoro cerca sempre di muoversi tra estetica e autenticità: creare immagini che abbiano una senso simbolico, ma che restino profondamente umane”

La tua ascesa professionale è avvenuta a stretto contatto con la scena musicale italiana. Poi hai deciso di affiancare questo filone a quello sportivo, diventando Fashion Editor di Athleta. Che tipo di musa hai trovato nell’immaginario sportivo?

“La musica è stato il mio core business prima dello sport: un campo di lavoro incredibile. Mi ha insegnato quanto l’immagine possa diventare parte della narrazione artistica. Quando ho iniziato a lavorare più da vicino con lo sport, ho scoperto un immaginario completamente diverso, ma altrettanto potente. L’atleta rimane radicalmente ancorato a sé stesso. Il corpo racconta la disciplina, la fatica, la resilienza. Questa autenticità mi ha colpita molto. Nell’immaginario sportivo ho trovato una musa molto forte: la verità del gesto. È un’estetica che non nasce dalla costruzione, ma dall’azione”

Che sensazioni ti hanno attraversato quando hai scoperto di essere stata selezionata come Costume Director delle Paralimpiadi? E che emozioni emergono ora, dopo aver visto prendere forma questo grande appuntamento, perlopiù in un luogo iconico per te come l’Arena di Verona?

“Quando ho ricevuto la notizia ho provato una sensazione molto intensa, quasi difficile da descrivere. Da una parte c’era una grande responsabilità, dall’altra un enorme senso di gratitudine. Le Paralimpiadi rappresentano qualcosa che va oltre lo spettacolo. Parlano di possibilità, di trasformazione e soprattutto di umanità. In esse convivono elementi che raramente si vedono insieme con tanta chiarezza: la forza, la fragilità e una forma di bellezza molto autentica, che nasce dal superamento dei limiti e dalla capacità di trasformare il proprio corpo in uno spazio di possibilità. Il fatto che tutto questo abbia preso forma in un luogo come l’Arena di Verona ha per me un significato ancora più profondo. Essendo veronese, è uno spazio carico di memoria e di emozioni. Vederlo diventare il palcoscenico di un evento così potente, dove forza e fragilità si incontrano e generano una nuova forma di bellezza: è un qualcosa che mi emoziona molto. Ciò che probabilmente mi rimarrà più impresso, però, sono le storie che questi ragazzi e ragazze mi hanno raccontato durante i fitting e le vestizioni: momenti molto intimi, in cui dietro ogni atleta è emerso un percorso personale fatto di determinazione, cadute e rinascite. È lì che ho sentito davvero la profondità di questo progetto”

C’è molta differenza tra il ruolo di stylist e quello di Costume Director. Com’è stato tradurre in grammatica visiva le suggestioni date da altri creativi?

“Il lavoro di costume director è molto diverso da quello di stylist. È un po’ come costruire un puzzle senza avere subito tutti i pezzi davanti. Gli elementi arrivano progressivamente: dalla regia, dalla coreografia, dalla musica, dalla scenografia… Immaginare come possano dialogare tra loro, ancora prima di vederli realmente insieme, è la vera grande sfida. Per questo serve una forza immaginativa diversa. Come stylist lavori spesso sull’identità di una singola persona o di un artista; come costume director, invece, devi pensare a una dimensione molto più collettiva, orchestrale. Il disegno finale si rivela poco alla volta, mentre il progetto prende forma”

Un altro dato già palesato in varie interviste è quello di una particolare attenzione alla sostenibilità. Che messaggio hai voluto portare?

“Per me la sostenibilità è imprescindibile. In un momento come questo, non possiamo farne a meno, prima di tutto per una questione culturale. In questo progetto abbiamo lavorato molto sulla circolarità: riutilizzo di costumi, materiali di recupero, tessuti provenienti da cooperative sociali... Mi interessava dimostrare che anche un evento molto grande può nascere da un approccio più consapevole. La creatività non dipende necessariamente dall’accumulo di cose nuove. Spesso nasce proprio dalla capacità di trasformare ciò che già esiste”

Parliamo di adaptive wear. Puoi spiegare a chi non conosce questo tema di cosa si tratta?

“L’adaptive wear è un ambito del design che si occupa di progettare capi accessibili e funzionali per persone con diverse abilità fisiche. Significa ripensare chiusure, tagli, materiali e vestibilità per permettere a più corpi possibili di indossare un capo in modo autonomo. Nel contesto paralimpico, questo tema diventa naturalmente centrale. Collaborare con Francesco Matera, specializzato con Materia Adapt in questo ambito, è stato molto stimolante, mi ha portato a ripensare al modo in cui si progetta un abito, e a farlo attraverso le storie uniche degli atleti incontrati” 

Dopo questa esperienza, quali sono le tue speranze per il futuro del connubio tra moda e sport?

“Credo che il dialogo tra moda e sport sia destinato a diventare sempre più interessante. Lo sport oggi è cultura visiva, si trasforma in identità e diventa comunità. La moda può contribuire a raccontare queste dimensioni, ma anche a renderle più accessibili. La mia speranza è che questa sinergia continui a evolversi in modo autentico, mantenendo sempre al centro il corpo, il gesto e l’umanità che lo sport rappresenta”