Il running come punto di partenza. Per Guillaume Pontier e, conseguentemente, per la realtà che ha contribuito a co-creare, DISTANCE, la disciplina più democratica assume il ruolo di motore propulsore da cui tutto s’irradia e a cui tutto fa, inevitabilmente, ritorno. L’esperienza biografica. Il dato culturale. La suggestione estetica. La contaminazione creativa. Innescando un processo che vede nel proprio fine ultimo l’alimentazione della running culture stessa. 

All’interno di questo flusso naturale, radicato nell’identità stessa di Pontier, come testimonia la sua profondissima tradizione familiare, la recente collaborazione sviluppata con ASICS e votata ad Iten, luogo sacro del running keniota e globale, si palesa come un manifesto filosofico. È proprio la conversazione con Guillaume Pontier a suggerirlo, denotando, allo stesso tempo, i pilastri personali e aziendali che fanno di DISTANCE una delle realtà più influenti del panorama running contemporaneo. 

Provieni da una famiglia in cui la corsa ha radici profonde. Alla luce dell’educazione sportiva che hai ricevuto, che cosa rappresenta per te il running? 

“Vengo da una famiglia in cui la corsa è sempre stata parte integrante della quotidianità. Mio padre lavora da quarant’anni come allenatore della nazionale francese, seguendo atleti di alto livello impegnati ai Giochi Olimpici e ai Campionati del Mondo. Uno dei miei fratelli minori è tra i migliori interpreti francesi dei 3000 siepi e della corsa campestre. Sono cresciuto immerso nell’atletica. A tavola, si parlava continuamente di gare, risultati, prestazioni… La corsa è semplicemente parte di ciò che siamo. Anch’io ho sempre corso, pur senza raggiungere i livelli di mio fratello o degli atleti allenati da mio padre. Da ragazzo, la competizione occupava uno spazio molto più importante nella mia vita. Conservo ricordi meravigliosi di quegli anni, soprattutto di una gara di corsa campestre in cui mio fratello minore vinse nella propria categoria e io nella mia. Erano presenti sia nostro padre, che nostro nonno. Sono ricordi che rimangono dentro.

Oggi il mio rapporto con la corsa è cambiato. Sono diventato padre, gli anni passano e la gestione di un’attività imprenditoriale mi lascia meno tempo per allenarmi. Cerco comunque di ritagliarmi dei momenti per correre, perché è diventato uno dei pochi modi che ho per staccare davvero. Amo correre da solo. A volte è un’occasione per riflettere su un’intuizione creativa o su un progetto a cui stiamo lavorando; altre, mi permette semplicemente di dimenticare tutto il resto. Dopo una decina di minuti, la mente comincia a liberarsi. È una sensazione che difficilmente riesco a ritrovare in altri modi e forme. Poi, c’è un mindset competitivo che la corsa contribuisce a formare e che va ben oltre lo sport. Impari ad affrontare i momenti difficili, a reagire alle battute d’arresto, a proseguire nonostante tutto... È un insegnamento particolarmente prezioso quando sei alla guida di una piccola realtà indipendente. Realizziamo progetti straordinari, ma ogni giorno dobbiamo anche confrontarci con difficoltà e imprevisti. La corsa mi ha aiutato a sviluppare la capacità di affrontare entrambi”

Cosa ti ha spinto a reinterpretare quest’eredità familiare e a darle continuità attraverso un progetto come DISTANCE?

“Prima di fondare DISTANCE ho lavorato per dieci anni come ottico. Mi piaceva la dimensione imprenditoriale di quel mestiere, soprattutto il rapporto diretto con le persone. Ma la corsa è sempre stata nel mio DNA. Otto anni fa, insieme ai miei soci, abbiamo deciso di far incontrare questi due mondi e creare qualcosa di nuovo. L’idea da cui è nata DISTANCE era relativamente semplice: ripensare il tradizionale negozio specializzato nel running attraverso una prospettiva differente. Volevamo dare vita a uno spazio dalla forte identità visiva, con una selezione accurata di prodotti, collaborazioni significative e un approccio contemporaneo alla comunicazione. In un certo senso, è simile a ciò che fate con Athleta Mag: partire da una cultura sportiva che si conosce intimamente per esplorarla attraverso una sensibilità creativa diversa.

Allo stesso tempo, mai abbiamo voluto perdere di vista le nostre origini. DISTANCE nasce dalla corsa, dalle competizioni, dall’atletica leggera. È da lì che deriva la nostra credibilità, ed è ciò che continua a orientare tutto ciò che facciamo. Credo che l’aspetto più interessante di DISTANCE risieda proprio in questa combinazione. Abbiamo legami profondi con il mondo della creatività, ma siamo altrettanto vicini agli atleti e alla dimensione agonistica della corsa. Sono due realtà che convivono in maniera del tutto naturale. Non cerchiamo deliberatamente di essere cool, così come non proviamo a costruirci un’autenticità di facciata. Entrambe le cose derivano da ciò che siamo e dalle esperienze che abbiamo vissuto”

Crescendo all’interno di una tradizione familiare così profondamente legata all’atletica, con tuo padre anche nelle vesti di allenatore, quale ritieni sia l’insegnamento di vita più importante che la corsa ti abbia trasmesso? E in che modo ha contribuito a plasmare la persona che sei oggi, anche al di fuori dello sport?

“Credo che l’insegnamento più importante sia imparare a portare a termine ciò che si è iniziato, indipendentemente dalle difficoltà che s’incontrano. Da ragazzo mi allenavo moltissimo, ma non ero un atleta d’élite. Ero un runner come tanti, con una grande passione per la competizione. C’erano giornate in cui non mi sentivo particolarmente in forma, in cui allenarsi era faticoso o le prestazioni non rispecchiavano le mie aspettative. Eppure, cercavo sempre di concludere la sessione, a prescindere dal tempo o dal risultato. Mio padre, che era anche il mio allenatore, ha avuto un ruolo fondamentale nel trasmettermi questa mentalità. Mi spronava continuamente, ma sempre in maniera costruttiva. Mi ha insegnato che portare a termine un allenamento difficile, anche quando le cose non vanno come vorresti, restituisce una forma di soddisfazione unica nel suo genere.

Magari non hai raggiunto la prestazione che desideravi, ma hai tenuto fede all’impegno preso con te stesso. È una lezione che mi ha accompagnato per tutta la vita. Influenza il modo in cui affronto il lavoro, il rapporto con mia moglie e mia figlia, persino le amicizie. Quando incontro una difficoltà, cerco di non arrendermi soltanto perché le circostanze non sono favorevoli. E non credo sia un insegnamento esclusivo della corsa. È qualcosa che lo sport, nella sua interezza, è in grado di trasmettere. Ti incoraggia a mettere alla prova i tuoi limiti, a spingerti oltre ciò che ritenevi possibile e a comprendere che il progresso passa spesso attraverso la difficoltà. Può sembrare un luogo comune, ma ci credo profondamente. E più passano gli anni, più mi rendo conto di quanto quell’educazione sportiva abbia contribuito a definire il mio modo di vivere”

In Athleta siamo profondamente convinti che ogni disciplina sportiva costituisca una forma d’arte a sé stante. Condividi questa prospettiva, soprattutto in relazione al running? Se è così, quale ruolo credi possano ricoprire il design e l’abbigliamento nel valorizzare ulteriormente la dimensione artistica della corsa?

“Credo che il running sia una forma d’arte, anche se talvolta è difficile spiegare esattamente il perché. È uno degli sport più semplici e accessibili al mondo, ma questa semplicità non pone alcun limite alle possibilità d’interpretarlo creativamente. Anzi, è proprio questa la filosofia alla base di DISTANCE. La corsa rappresenta il nostro punto di partenza, ma attorno ad essa possiamo sviluppare un’estetica riconoscibile, dare vita a spazi interessanti, organizzare eventi e collaborare con persone provenienti dagli ambiti creativi più disparati. Il negozio stesso diventa espressione di questo rapporto tra sport e creatività.

Un aspetto particolarmente interessante è osservare quante persone appartenenti al mondo della creatività siano spontaneamente attratte dalla corsa. Attraverso DISTANCE abbiamo incontrato fotografi, designer e artisti straordinari, molti dei quali praticano a loro volta questo sport. Credo che la sua accessibilità giochi un ruolo importante in questo fenomeno. Correre è un’esperienza alla portata di quasi tutti, indipendentemente dalla professione o dal percorso creativo di ciascuno, e questo favorisce l’incontro tra sensibilità e prospettive differenti. Per me, il legame tra corsa e arte non è qualcosa che dobbiamo cercare di costruire artificialmente. Esiste già, nelle persone che praticano questo sport e nei diversi modi in cui scelgono di rappresentarlo. Attraverso DISTANCE cerchiamo semplicemente di creare le condizioni affinché queste connessioni possano svilupparsi”

La capsule collection ASICS x DISTANCE trae ispirazione dai runner e dagli straordinari paesaggi di Iten, in Kenya, uno dei templi spirituali della corsa, autentico punto di riferimento per questa disciplina a livello mondiale. Avendo conosciuto personalmente questo territorio, quali immagini e suggestioni affiorano alla tua mente quando pensi a Iten? E cosa rappresentano, per te e per DISTANCE, questo luogo e la collezione che ne è scaturita?

“Iten è diventata un luogo di enorme importanza nella mia vita. Mio padre vive lì da circa un anno e io ci sono stato dodici, quindici volte. Ci torno ogni anno e, ogni volta, mi domando se riuscirò ancora a provare lo stesso senso di meraviglia. Eppure, Iten continua a sorprendermi. Ci sono stato insieme a numerosi fotografi e creativi, persone con sensibilità molto diverse, e tutti sono tornati con la medesima impressione: c’è qualcosa di straordinario nello spirito di questo luogo. È una piccola cittadina in cui praticamente tutto ruota attorno alla corsa. Le distrazioni sono pochissime e, sebbene ogni anno arrivino sempre più atleti e visitatori internazionali, Iten ha saputo conservare il proprio carattere. Non ci sono grandi edifici né le infrastrutture che ci si potrebbe aspettare da un centro di allenamento di rilevanza internazionale. La vita segue un ritmo differente. A colpirmi è l’atteggiamento delle persone. Si respira una positività straordinaria, un modo di affrontare la quotidianità improntato alla semplicità e alla generosità. Le persone sorridono, amano stare insieme e sanno riconoscere il valore delle cose essenziali. 

Ogni anno, quei dieci giorni trascorsi a Iten diventano una delle esperienze che attendo con maggior piacere. Riesco a staccare quasi completamente da tutto. La connessione a Internet non è sempre affidabile. Spesso, alle nove del mattino hai già terminato l’allenamento, fatto colazione e una doccia... All’improvviso, ti ritrovi con un’intera giornata davanti. Non ci sono stimoli continui, né un susseguirsi incessante d’impegni. Puoi dedicare del tempo alle conversazioni, alla lettura o semplicemente ai tuoi pensieri. È una sensazione sempre più rara. E poi c’è il paesaggio. Iten sorge a circa 2.400 metri di altitudine, affacciata sulla Great Rift Valley. Lo scenario naturale è straordinario. Ci sono le caratteristiche strade di terra rossa, distese di foresta verde e rigogliosa, ma anche territori molto più aridi, desertici. I contrasti sono impressionanti e la stessa Rift Valley lascia senza fiato.

Tornando al rapporto tra corsa e arte, credo ci sia qualcosa d’artistico nel modo in cui si allenano i runner kenyani. A differenza di quanto accade spesso tra gli atleti d’élite europei, dove la preparazione può assumere una dimensione molto individuale e talvolta riservata, in Kenya è frequente vedere grandi gruppi di atleti allenarsi insieme. Osservarli correre è affascinante. C’è un senso straordinario di coordinazione, simmetria e movimento collettivo. Il modo in cui si muovono le braccia e le gambe, le formazioni che si vengono a creare, il ritmo che riescono a stabilire insieme: tutto assume una dimensione quasi coreografica. È un qualcosa che trovo particolarmente bello e che ho riscontrato anche nella cultura della corsa di altre regioni dell’Africa orientale.

Per DISTANCE, Iten ha un significato profondamente personale. Abbiamo un negozio in città e, nel corso degli anni, abbiamo costruito rapporti autentici con la comunità locale dei runner. Vogliamo sostenerla durante tutto l’anno, facendo in modo che il nostro legame non si esaurisca nel semplice racconto delle sue storie. È anche per questo che, per la campagna, abbiamo scelto di coinvolgere persone che conoscevamo già. Wilfried, uno dei protagonisti, è il responsabile del nostro negozio a Iten. Gli altri runner ritratti sono persone con cui ci alleniamo regolarmente ogni volta che torniamo. Volevamo che il progetto nascesse da questi rapporti consolidati, anziché costruire una rappresentazione artificiosa del luogo.

La collezione rappresenta anche una nostra interpretazione dell’estetica che caratterizza il Kenya. In Francia, come in molti altri Paesi, i runner dedicano parecchio tempo alla scelta e all’abbinamento dei capi, cercando di creare un insieme perfettamente coordinato. A Iten, invece, l’approccio è spesso molto più spontaneo. Può capitare di vedere qualcuno indossare una maglietta rossa, dei pantaloncini verdi e un paio di scarpe da corsa gialle, senza aver dedicato il minimo pensiero all’accostamento. Sono lì per allenarsi, ed è questo ciò che conta. Eppure, in quelle combinazioni inattese, c’è qualcosa d’incredibilmente espressivo. I colori, i contrasti, la libertà con cui le persone si vestono: tutto contribuisce a definire un’identità visiva inconfondibile. Quella spontaneità è diventata una delle principali fonti d’ispirazione della collezione ASICS x DISTANCE. Volevamo creare qualcosa di colorato, capace di restituire l’energia delle persone e del paesaggio, ma anche la nostra personale interpretazione dell’identità di Iten. In definitiva, questa collezione è il nostro modo di celebrare un luogo che ci ha dato moltissimo, contribuendo al tempo stesso a far conoscere le persone e la cultura della corsa che lo rendono così straordinario”

Questa collezione riunisce due elementi ricorrenti nella filosofia di DISTANCE: la ricerca di sinergie creative con altri brand e il dialogo con comunità contraddistinte da specifiche identità culturali. In che modo queste due dimensioni contribuiscono a definire la vostra visione della corsa e la direzione che immaginate per il futuro di DISTANCE?

“Credo che siamo fortunati, perché sono spesso i brand a cercarci, riconoscendo la solidità del nostro legame con la running culture e con le comunità di cui facciamo parte. Per noi, però, una collaborazione deve avere un significato che vada oltre la semplice opportunità commerciale. Non vorrei sembrare presuntuoso, ma siamo piuttosto selettivi nella scelta dei progetti da sviluppare. Abbiamo un’idea precisa di ciò che vogliamo realizzare e, se un brand non condivide la nostra visione, preferiamo rinunciare all’opportunità piuttosto che compromettere l’autenticità di DISTANCE. La cosa più importante è mantenere vivo il legame con la nostra comunità e con la cultura sportiva da cui tutto ha avuto origine. Significa individuare il partner giusto per ciascun progetto, anziché inseguire collaborazioni fini a sé stesse.

Il nostro rapporto con ASICS e con Iten ne è un buon esempio. Volevamo realizzare qualcosa che celebrasse questa comunità e, al tempo stesso, le restituisse parte di ciò che ci ha dato. È facile parlare di sostegno a un territorio e alle persone che lo abitano, ma credo sia fondamentale tradurre queste intenzioni in qualcosa di concreto. Anche per questo abbiamo scelto di coinvolgere persone con cui intratteniamo rapporti autentici e duraturi. Come dicevo, Wilfried, che compare nella campagna, gestisce il nostro negozio a Iten, mentre gli altri runner sono persone con cui condividiamo regolarmente gli allenamenti. Fanno parte della nostra esperienza quotidiana di questo luogo, non sono semplicemente volti selezionati per una campagna pubblicitaria. Per me, è proprio questo che dovrebbe contraddistinguere una collaborazione significativa. Dovrebbe nascere spontaneamente dalle relazioni costruite nel tempo, rispettare l’identità della comunità coinvolta e offrire un’occasione per far conoscere la sua cultura a un pubblico più ampio. In definitiva, è questa la direzione che vogliamo continuare a seguire con DISTANCE: sviluppare progetti creativi che mantengano un legame profondo con la corsa e con le persone che rendono così speciale la sua cultura”

Athleta Mag nasce da una profonda passione per la fotografia sportiva contemporanea, intesa nella sua espressione più alta, e per le possibilità narrative che questa forma d’arte dischiude. Quale ruolo hanno avuto la fotografia e lo storytelling nella definizione dell’identità di DISTANCE e nella sua evoluzione?

“Credo che la narrazione sia un elemento imprescindibile di tutto ciò che facciamo. Oggi assistiamo ad un proliferare di campagne e progetti visivi d’indubbia qualità estetica, ai quali, tuttavia, spesso non corrisponde un autentico spessore narrativo. Per noi, il punto di partenza è sempre stato individuare una storia che valesse la pena raccontare, un contenuto significativo capace di dare alle immagini una ragione d’essere. Fin dalle origini, abbiamo inoltre compiuto una scelta precisa: affidarci a fotografi che non provenissero necessariamente dall’universo del running. Ci interessano autori capaci di accostarsi alla disciplina con una sensibilità diversa, di riconoscere aspetti che potrebbero sfuggire allo sguardo di chi è abituato a fotografare lo sport.

È una riflessione che si riallaccia direttamente al rapporto tra sport e arte di cui parlavamo in precedenza. Un fotografo di moda, per esempio, può introdurre nel racconto del running una sensibilità del tutto differente, attraverso soluzioni compositive inedite, prospettive impreviste e un diverso modo di osservare gli atleti e i contesti in cui si muovono. Naturalmente, la fotografia sportiva annovera autori straordinari. Eppure, non è raro imbattersi in codici visivi consolidati, composizioni che tendono a ripetersi e scelte di postproduzione ormai riconoscibili. A noi interessa interrogare queste convenzioni, cercare possibilità espressive ancora inesplorate. Per questo dedichiamo una parte considerevole del nostro lavoro alla scoperta di nuovi fotografi, allo studio delle loro opere e alla ricerca di sensibilità artistiche capaci di imprimere una direzione inattesa ai nostri progetti. È una componente fondamentale nella costruzione dell’identità visiva di DISTANCE, una ricerca che intendiamo continuare a sviluppare”

Parlando, invece, dei legami che DISTANCE instaura con gli atleti, quali criteri orientano la scelta delle persone con cui collaborare? Che peso attribuite al valore agonistico, alla personalità e alla sensibilità estetica?

“Direi che tutti questi aspetti concorrono alla scelta, ma la dimensione umana resta probabilmente quella determinante. La nostra filosofia trova una sintesi nel motto “For Runners”. Vogliamo celebrare i grandi atleti e le loro imprese, ma sentiamo altrettanto importante rivolgerci a chi si avvicina alla corsa per la prima volta. Entrambe queste realtà hanno per noi lo stesso valore. La scelta dipende quindi, in primo luogo, dalla storia che intendiamo raccontare. Se lavoriamo a un progetto incentrato sulla prestazione agonistica o su un prodotto particolarmente tecnico, come una scarpa dotata di piastra in carbonio, è naturale coinvolgere atleti il cui percorso sportivo sia pertinente. Ma il risultato agonistico, di per sé, non basta mai.

Che si tratti di atleti, fotografi o altre figure creative, le relazioni personali occupano un posto centrale nel nostro modo di lavorare. Quando si trascorre un’intera settimana insieme su un set fotografico, il clima che si crea e la qualità dei rapporti possono incidere profondamente sull’esito del progetto. Se le persone si trovano bene, condividono le intenzioni del lavoro e provano piacere nel realizzarlo insieme, quell’intesa finisce inevitabilmente per emergere anche nelle immagini. Quando poi una produzione coinvolge più atleti, il processo di selezione diventa ancora più complesso. Non basta valutare le qualità di ciascuno: bisogna immaginare come le diverse personalità potranno entrare in relazione. Può capitare di riunire cinque o sei persone, tutte eccellenti individualmente, senza che tra loro si produca alcuna vera sintonia.

Abbiamo imparato a osservare queste dinamiche con particolare attenzione. Penso, per esempio, alla campagna realizzata con Nike nell’ambito di una nostra recente collaborazione. Abbiamo dedicato molto tempo alla selezione degli atleti, considerando non soltanto il loro profilo agonistico, ma anche il carattere, l’atteggiamento durante le riprese e la capacità di instaurare rapporti con gli altri protagonisti e con il nostro gruppo di lavoro. In fondo, si tratta di creare un contesto in cui ciascuno possa esprimersi al meglio. Il valore sportivo conta, naturalmente, e altrettanto vale per la componente estetica. Ma se dovessi indicare un solo criterio davvero decisivo, sarebbe la qualità del rapporto umano”

Ripetere lo stesso gesto. Studiarlo, ancora e ancora. Assorbirlo e processarlo, fino a renderlo dichiarazione stessa della propria identità. Questo teorizza Kim Ye-Ji, maestra contemporanea del tiro a segno, assurta alle cronache mondiali per l’argento olimpico di Parigi 2024, nonché per la potenza evocativa delle posture composte sulle linee di tiro della Ville Lumière. 

Il corpo si tende. La mano si stabilizza. L’occhio segue, calibra. La schiena si tende. Il fine ultimo: la mouche, l’apoteosi della precisione umana. Una questione di metodo e ritmo, suggerisce l’atleta sudcoreana, tornata da poco a competere dopo la maternità. E una questione di stile che, inevitabilmente, attecchisce nell’individualità, divenendo espressione della stessa. Nessun segreto, se non la consapevolezza. 

Concetti affini a quelli espressi dalla campagna adidas Originals dedicata alle BadBo, di cui Kim Ye-Ji è co-protagonista. Un inno Three Stripes alla natura multidimensione alla base d’icone del mondo dell’arte e dello sport: intersezione in cui Kim Ye-Ji e il suo modo d’intendere il tiro a segno si pongono alla perfezione. 

Il tuo primo incontro con il tiro a segno è stato segnato da un’immediata fascinazione per l’estetica della disciplina. “Rimasi incantata dalla postura e dall’immagine di chi impugna una pistola”, hai ricordato in un’intervista. Potresti riportarci a quel primo incontro, raccontandoci le emozioni e le sensazioni che ha suscitato in te? E oggi, dopo aver raggiunto i vertici della disciplina, cosa rimane di quelle prime impressioni?

“Tutto ha avuto inizio in maniera molto semplice. Avevo tredici anni quando, un giorno, mi hanno chiamato fuori dall’aula e ho visto alcuni studenti più grandi esercitarsi nel tiro con la pistola. La postura, perfettamente immobile, con un braccio proteso in avanti, mi ha affascinato immediatamente. Non sapevo assolutamente nulla di quello sport. Ho sentito solo il desiderio di assumere quella stessa postura. Ancora oggi, quando sollevo il braccio sulla linea di tiro, riaffiora un qualcosa di quella prima sensazione. Adesso, però, rispetto all’aspetto esteriore del gesto a contare e molto più ciò che avverto dentro il mio corpo”

Proseguendo lungo questa riflessione, in Athleta Mag siamo profondamente convinti che ogni disciplina sportiva costituisca, nella propria singolarità, una forma d’arte. Che significato assume per te questa relazione? Ti è mai capitato di vivere la tua prestazione come un atto artistico?

“Non ho mai considerato il tiro a segno una forma d’arte. Da quando ho iniziato, per me ha sempre rappresentato una questione di allenamento e precisione. Dopo le Parigi, però, ovvero quando le persone hanno cominciato a osservare le mie fotografie e a descriverle in questi termini, ho iniziato a comprendere questo tipo di prospettiva. Come nell’arte, anche nel tiro a segno non esiste un unico modo giusto di fare le cose. Ogni atleta deve trovare il proprio metodo, il proprio ritmo. Quando ripeti lo stesso movimento migliaia di volte, fino a far rimanere soltanto ciò che ti appartiene davvero, forse ti stai avvicinando veramente a qualcosa che somiglia all’arte. Continuo, tuttavia, a considerarmi prima di tutto un’atleta”

La tua disciplina esige un grado di concentrazione unico nel suo genere. Come alleni la mente e governi le emozioni per raggiungere uno stato in cui, a tutti gli effetti, ogni cosa diventa subordinata ad un gesto tecnico? E quale condizione interiore vivi nel momento in cui entri in gara?

“Non direi che esista un segreto. È tutto il risultato dell’allenamento. Durante ogni sessione cerco di dare il cento per cento, a tal punto che, spesso, allenarmi risulta essere più impegnativo del gareggiare. Quando entro in competizione, il lavoro è già stato fatto, ed è proprio questa consapevolezza a permettermi di rilassarmi. In quel momento, la mia mente è calma, in pace. Non penso al punteggio, né alle altre atlete. Mi concentro sul corpo, sul respiro, sulle più impercettibili sensazioni che avverto nella mano. Tutta la mia attenzione converge lì”

A quasi vent’anni dal tuo primo incontro con il tiro a segno, la stessa disciplina che ti aveva affascinata fin da giovanissima ti ha trasformata, durante Parigi 2024, in un’icona culturale di risonanza mondiale. Com’è stato vedere la tua identità di atleta assumere un significato completamente nuovo attraverso lo sguardo degli altri?

“È stata una sorpresa. Ho ricevuto tantissimi messaggi da persone che mi raccontavano di non aver mai prestato particolare attenzione al tiro a segno, ma di essersene interessate dopo avermi conosciuta. Questo fatto mi ha resa felice. La mia quotidianità, in realtà, non è cambiata più di tanto. Continuo ad allenarmi ogni giorno. Però, se la mia storia può aiutare altre persone a scoprire il tiro con la pistola, ritengo che possa essere un nuovo, rilevante significato da attribuire alla mia carriera”

Come si inserisce il tuo rapporto con l’universo adidas Originals nel tuo percorso personale e nella tua sensibilità estetica? Più in generale, quale ruolo ha avuto, e continua ad avere, il fashion nella tua vita, nel tuo modo di vivere lo sport e nella maniera in cui percepisci te stessa e il mondo che ti circonda?

“Quando gareggio, non penso particolarmente alla moda. La comodità viene prima di tutto, perché permette di concentrarsi completamente sul tiro. Credo, però, che la moda e il tiro a segno abbiano qualcosa in comune: l’individualità. Non tutti gli stili si adattano a chiunque, proprio come non tutti i metodi funzionano per ogni atleta. Bisogna trovare ciò che meglio corrisponde alla propria individualità. adidas Originals affonda le proprie radici nello sport, quindi collaborare con il brand mi è sembrato naturale. E mi ha fatto prendere ulteriore consapevolezza riguardo come sia possibile far conoscere il tiro a segno anche a persone appartenenti a universi completamente diversi”

Guardando al futuro, cosa senti di dover ancora scoprire attraverso lo sport che ti accompagna da gran parte della tua vita? Come immagini possa continuare a evolversi una relazione così intima, come quella con la pistola?

“Ci sono ancora moltissime cose che desidero fare. Ho interrotto per un periodo l’attività agonistica per dedicarmi alla maternità e crescere mio figlio, quindi voglio ritrovare la mia piena condizione tecnica e tornare a competere in un’altra edizione dei Giochi Olimpici. La mia pistola mi accompagna da gran parte della vita. Ci sono giornate in cui tutto funziona e altre in cui le cose vanno diversamente, ma lei mi restituisce sempre, con assoluta sincerità, la misura di ciò che sono in quel momento. Non credo che questo rapporto cambierà molto: discreto, costante, sincero. Desidero soltanto continuare a diventare, ogni giorno, un po’ più precisa”

Attraverso lavori a tecnica mista che intrecciano collage, disegno, fotografia e animazione, ‘Rapruesign’ mette al centro della propria pratica l’imperfezione e la reinterpretazione personale di un immaginario sportivo che per lui è da sempre legato alla cultura visuale dei videogame, cartoni animati e anime. Ritagli, texture e sovrapposizioni non vengono nascosti dietro la pulizia dell’immagine finale, ma diventano parte integrante del suo linguaggio. Riconoscendo nell’irregolarità dell’opera finale una caratteristica positiva.

In un ecosistema visivo sempre più patinato, dove ogni elemento può essere corretto o riprodotto digitalmente, questo artista continua invece a ricercare un rapporto fisico con le sue opere. Una relazione che rappresenta anche una forma di rallentamento e allontanamento da una quotidianità trascorsa inevitabilmente davanti agli schermi. Lavorare con le mani, allenarsi e cercare di migliorarsi diventa allora un tempo terapeutico in cui allontanarsi dalla velocità digitale. Un approccio apparentemente lontano dalla rapidità dello sport, ma che con la pratica atletica condivide invece un profondo legame valoriale fondato su ripetizione e dedizione. 

Sei nato e cresciuto a Vancouver, immerso in una cultura visiva alimentata da sport, musica, moda e videogiochi. Ripensando alla tua infanzia, quali esperienze o influenze culturali ritieni abbiano avuto un ruolo significativo nella formazione della tua identità creativa?

“Sono sempre stato un bambino molto creativo. Ero completamente catturato dai cartoni animati e dagli anime, e trascorrevo moltissimo tempo immerso in quel universo visivo estremamente saturo, dinamico, costruito attorno all’azione. Ogni volta che finivo di guardare qualcosa, tornavo alla mia scrivania, prendevo un foglio bianco e cominciavo a ridisegnare le scene a memoria. Con il tempo ho iniziato anche a inventarne di mie. Guardando indietro oggi, riesco a riconoscere con chiarezza quanto profondamente quelle serie TV abbiano influenzato il lavoro che realizzo adesso. C’era qualcosa di molto intimo in quel rapporto: soltanto io e la televisione, completamente assorbito dal mondo immaginario che si dispiegava davanti ai miei occhi. Guardavo One Piece e le prime stagioni di Naruto mentre venivano trasmesse, ma anche Justice League, Spider-Man e X-Men. C’erano effetti esasperati, colori intensi, pose drammatiche e una narrazione visiva estremamente chiara.

Anche la mia famiglia ha avuto un ruolo importante. Nessuno lavorava professionalmente nel mondo dell’arte, ma abbiamo sempre espresso la nostra creatività in modi differenti. Esisteva una sorta di inclinazione artistica naturale, e credo che anche questo abbia avuto un’influenza su di me. Persino qualcosa di semplice come prendere in mano una penna e sentirsi perfettamente a proprio agio nel creare qualcosa sembrava del tutto naturale dentro casa nostra. Sono sempre stati molto incoraggianti. Quando da bambino realizzavo un disegno, lo regalavo a mia madre e lei lo appendeva nel suo ufficio. La creatività è sempre stata accolta positivamente. Credo che la combinazione tra l’immaginario dei cartoni animati e il sostegno che ricevevo a casa abbia avuto un’influenza enorme sulla persona e sull’artista che sono poi diventato.”

Quando è entrato lo sport all’interno di questo immaginario? È arrivato successivamente, dopo i cartoni animati, oppure era qualcosa che praticavi anche in prima persona? 

“Il basket in realtà è arrivato leggermente più tardi. Crescendo in Canada, l’hockey era ovunque. Ero molto immerso in quel mondo perché mio padre ne era ossessionato. Anche il pugilato era importante nella nostra famiglia perché, essendo filippini, vedevamo in Manny Pacquiao una figura straordinaria di rappresentazione. Era, ed è tuttora, una delle leggende di quello sport. Guardavamo anche il basket nei primi anni Duemila, ma il mio primo vero legame con l’NBA nacque curiosamente attraverso un videogioco. Credo che il primo NBA 2K che avevo fosse sulla PSP. Probabilmente 2K10, una di quelle prime versioni. Ricordo che giocavo continuamente con i Lakers e con i Bulls. Erano le due squadre che sceglievo sempre. E’ stato proprio allora che ho iniziato realmente a innamorarmi del basket e a conoscere tutti i diversi giocatori. Avrò avuto circa dieci anni. Da quel momento in avanti, il basket è diventato il mio sport preferito.

Una delle cose che mi affascinavano maggiormente era la quantità di personaggi e personalità differenti che esistevano all’interno della lega. Soprattutto in quel periodo, ogni giocatore sembrava possedere un’identità fortemente riconoscibile, una libertà maggiore nell’esprimere il proprio stile e il proprio comportamento. Come spettatore avevi la sensazione di ricevere tutto contemporaneamente: la competizione, i personaggi, la moda, il dramma. Era incredibilmente divertente. È per questo che ho iniziato a seguire consapevolmente la lega. E ho anche giocato a basket per gran parte della mia vita.”

Quali loghi, squadre, simboli o giocatori ti hanno ispirato, e continuano ancora oggi a ispirarti istintivamente, quando pensi al basket in relazione al tuo lavoro?

“Credo che, in generale, l’NBA in quel periodo possedesse moltissimo ‘colore’ e una vitalità straordinaria. Lo si può vedere immediatamente nei loghi. Erano giocosi, espressivi, certamente non minimalisti. Da bambino amavo già i cartoni animati proprio per l’intensità dei loro colori e della loro energia, e credo che il basket, in quel periodo, possedesse una forza visiva analoga. Questo aspetto è centrale anche nel mio lavoro oggi. Voglio rendere nuovamente il basket colorato. Voglio recuperare parte di quell’energia. Lo sport può continuare a essere crudo, ma allo stesso tempo può essere giocoso. Può essere visivamente rumoroso.

Se guardiamo alle pubblicità di quel periodo, persino la musica e i jingle possedevano una personalità enorme. Tutto sembrava perfetto. Credo che dovremmo riportare indietro una parte di quell’energia. In realtà, qualcosa sta già iniziando a tornare. Ci sono state campagne recenti nelle quali percepisco nuovamente quella forza. Il lavoro di adidas con Anthony Edwards, per esempio, possiede quella qualità. Ho la sensazione che la nostra generazione stia arrivando a un punto in cui può reintrodurre molti dei riferimenti visivi con cui è cresciuta. È un momento molto stimolante per lo sport.

Anche lo stile e lo swag di certi giocatori di quell’epoca ha avuto un’influenza enorme su di me. Carmelo Anthony, Allen Iverson e Dennis Rodman sono probabilmente tre degli esempi più evidenti. Iverson possedeva un’identità straordinaria, sia dentro sia fuori dal campo. Volevo imitare il modo in cui indossava le fascette, i vestiti, praticamente tutto. Ancora oggi guardo fotografie di Allen Iverson tra la fine degli anni Novanta e i primi Duemila e penso che le persone potrebbero vestirsi esattamente così anche oggi. Con Carmelo, invece, ero ossessionato dal periodo dei Denver Nuggets. Nella mia mente, quei colori sono inseparabili da lui.Ricordo quanto desiderassi avere un paio delle sue Jordan Melo. Dennis Rodman, probabilmente, è una delle influenze più importanti per me, non soltanto dal punto di vista visivo, ma anche creativo, stilistico e persino psicologico. Semplicemente, sembrava non preoccuparsi minimamente di ciò che gli altri pensavano di lui. E c’è qualcosa di incredibilmente potente in questo. Non so se vedremo mai un altro giocatore realmente simile a lui.”

Prima di collaborare con grandi brand internazionali e istituzioni sportive, creavi poster e grafiche soprattutto per te stesso. Puoi parlarci quel periodo? Che cosa ti ha inizialmente spinto verso la sperimentazione visiva e quando hai cominciato a riconoscere nell’arte qualcosa di più di una passione personale?

“Sono sempre stato incline all'arte, ma per moltissimo tempo non l’ho mai presa particolarmente sul serio. Mi sembrava comunque qualcosa di secondario. Qualcosa che amavo, ma che portavo avanti privatamente, ai margini del resto. Le cose iniziarono a cambiare quando finalmente sono riuscito a comprare un computer tutto mio. Era un portatile usato, con una qualche versione pirata di Photoshop installata. Ricordo che volevo disegnare una di quelle T-shirt che andavano di moda in quegli anni, quindi ho creato alcuni design e, a un certo punto, una grafica per una maglia dei Lakers. Alla gente era piaciuta moltissimo, e questo mi sorprese. A me semplicemente divertiva divertiva. Alla fine ho realizzato alcune t-shirt. A livello locale ottennero un discreto successo. Credo che quello sia stato il primo momento in cui ho compreso realmente che le persone stavano prestando attenzione a ciò che facevo.

Per un periodo ho smesso di creare grafiche. Erano gli anni del Covid e tutto sembrava strano, sospeso. Poi, nel 2023, ho iniziato nuovamente a creare. Ancora una volta, esclusivamente per me stesso. Volevo decorare la mia stanza con dei poster, ma praticamente tutti quelli che trovavo online non mi piacevano. Così me li sono fatti da solo. Poi li ho postati online. E, ancora una volta, arrivò questa conferma esterna: forse ciò che stavo realizzando meritava di essere portato avanti. E’ stato più o meno in quel momento che ho creato una pagina dedicata esclusivamente al mio lavoro artistico con maggiore serietà. Naturalmente il pubblico non era minimamente paragonabile a quello che ho oggi. Ma anche ricevere qualche commento o qualche like da persone sconosciute mi sembrava straordinario. Erano persone che non mi conoscevano personalmente e non avevano alcun motivo per farmi un complimento. Vedevano semplicemente il lavoro e reagivano a ciò che avevano davanti. Era estremamente stimolante. Poco dopo ho scoperto l’animazione mixed-media. Credo di aver visto per la prima volta qualcuno utilizzare un approccio simile nel mondo della musica e mi chiesi immediatamente come avrebbe potuto funzionare applicato allo sport. Mettere insieme quei due universi mi sembrò del tutto naturale. In quel periodo, inoltre, l’arte legata allo sport sembrava ancora uno spazio relativamente poco esplorato online. Naturalmente esistevano già artisti che realizzavano opere a tema sportivo, ma culturalmente non mi sembrava un ambito così visibile come lo è oggi. Pensavo ci fosse spazio per introdurre questo particolare linguaggio nello sport, e soprattutto nel basket. Il mio primo lavoro mixed-media era dedicato a Michael Jordan e l'iconica sequenza del suo tiro nelle Finals NBA del 1998. Da quel momento non mi sono più fermato. Carmelo Anthony. Poi Kobe. Quei lavori iniziarono a ricevere maggiore attenzione. Poi, una sera, ho creato un pezzo su Allen Iverson e quello cambiò completamente la mia traiettoria artistica. La risposta è stata di un altro livello. Improvvisamente c’erano moltissime persone che iniziavano a seguire ciò che stavo facendo. E continuavano a tornare, realmente interessate a scoprire che cosa avrei realizzato dopo. E’ stato in quel momento che tutto cominciò a farsi reale.”

Il tuo lavoro esiste all’intersezione di diverse discipline visive, mettendo insieme illustrazione, fotografia, collage e animazione. Quali possibilità creative ti offre questa combinazione che forme più convenzionali di arte non riuscirebbero a concedere?

“Credo che una delle qualità che definiscono maggiormente il mio lavoro sia la sua genuinità. Esiste una componente manuale estremamente visibile. Naturalmente, durante il processo pianifico i passaggi con attenzione. Penso al design, alla composizione e a ciò che desidero che l’opera finale comunichi. Voglio sempre che il lavoro sia il più forte possibile. Ma quando comincio a disegnare, tagliare e assemblare i materiali, voglio anche che chi guarda possa percepire che quell’opera è stata realizzata fisicamente da una persona. Mi piacciono le imperfezioni. Non sento necessariamente il bisogno di correggerle. A volte penso che la cultura visiva contemporanea tenda a diventare eccessivamente perfetta. Tutto viene rifinito fino al punto in cui quasi non rimane più alcuna traccia della persona che lo ha realizzato. A me piace mostrare che non è necessario sovraccaricare l’arte di pensiero. Per me, spesso, l’arte raggiunge la sua forma migliore quando stai realmente godendo del processo di creazione. È questo che voglio trasmettere attraverso il mio lavoro. Quando creo qualcosa, lo faccio per me stesso, tendo a lavorarci fino a quando, istintivamente, sento che il lavoro è corretto. Raramente torno indietro per correggere ogni minimo dettaglio. Voglio che chi osserva possa vedere anche il processo di realizzazione.”

Hai descritto la tua pratica artistica come un atto d’amore verso la manualità. In un momento storico in cui gli strumenti digitali permettono di produrre e manipolare immagini con una rapidità straordinaria, che cosa continua ad attrarti della fisicità e nella dimensione tattile della creazione artistica?

“Credo di essere semplicemente una persona molto portata a creare con le proprie mani. E questo va molto oltre l’arte. Per quanto riguarda la musica e i film che amo, colleziono CD, vinili e DVD. Mi piace avere un oggetto fisicamente davanti a me, poterlo toccare. Naturalmente, questa inclinazione si traduce anche nel mio modo di creare arte. Realizzo anche lavori digitali, ma alla fine torno sempre a lavorare con le mani. È una sensazione completamente diversa. Oggi esistono plugin e tecniche che permettono di imitare digitalmente i processi mixed-media. Puoi riprodurre strappi, texture, carta, praticamente qualsiasi cosa. Ma quando vedo online immagini di questo tipo, generalmente riesco a capire che sono state prodotte digitalmente. Quando realizzi qualcosa fisicamente, invece, spesso riesci a vedere la persona al suo interno. Vedi il punto in cui qualcosa è cambiato. È lì che entra la qualità umana. Nel digitale puoi sempre tornare indietro. Se qualcosa non ti piace, lo cancelli. 

Lavorare manualmente mi offre inoltre una pausa necessaria dagli schermi. Trascorriamo una parte enorme della nostra vita guardandoli.Sedermi davanti a un pezzo di carta diventa quasi terapeutico. Posso allontanarmi dal computer e trascorrere del tempo semplicemente tagliando, disegnando, colorando e pensando. È diventato uno spazio creativo molto importante per me. Sento che spesso riesco a dare il meglio quando lavoro fisicamente. Posso sperimentare liberamente. Credo che sia anche questo a continuare a riportarmi verso l’arte manuale”

In diversi tuoi progetti condividi apertamente il processo creativo che sta dietro alle animazioni, rendendo visibile l’enorme quantità di lavoro manuale necessario per produrre soltanto pochi secondi di immagini in movimento. Perché è importante mostrare questa dimensione della creazione artistica che spesso rimane invisibile?

“Con il mio primo lavoro su Allen Iverson, inizialmente ho pubblicato solo l’animazione finita. Andò bene, ma nulla di paragonabile al video di BTS che ho condiviso successivamente. Credo che questo dica molto rispetto a ciò che le persone stanno cercando oggi, soprattutto nell’epoca dell’intelligenza artificiale. Esiste un desiderio crescente di vedere che dietro un lavoro c’è realmente una persona. Le persone vogliono comprendere come qualcosa sia stato effettivamente realizzato. Nella maggior parte dei casi vediamo soltanto il risultato finale. Vedi, per esempio, uno spot di dieci secondi, ma non hai idea che dietro possano esserci stati mesi di pianificazione e un intero team composto da cento persone. L’immagine finale nasconde tutto quel lavoro. Mostrare il processo rende visibile proprio questa dimensione invisibile. Rivela il tempo, lo sforzo e, credo, anche la quantità di cura necessari per creare qualcosa. E questo modifica la relazione che le persone instaurano con l’opera finita. Quando qualcuno osserva il processo dall’inizio alla fine, partecipa alla costruzione stessa del lavoro, vedendolo prendere forma progressivamente. Le persone amano vivere esperienze. È per questo che nella maggior parte dei miei video inserisco una qualche forma di behind the scenes. Riporta al centro quell’elemento umano e diventa quasi una prova tangibile della realizzazione. Credo che oggi questo stia diventando più importante che mai.”

Hai collaborato con organizzazioni e brand appartenenti a culture sportive molto differenti, dall’NBA e NFL fino a Wimbledon. Che cosa pensi possa rivelare l’arte dello sport che il racconto televisivo non riesce necessariamente a restituire?

“Credo che l’arte possa rivelare la personalità e il carattere che esistono all’interno di ogni sport. E’ stato proprio attraverso il mio lavoro artistico che recentemente ho iniziato a interessarmi molto di più al tennis. Il broadcasting, per sua natura, deve essere molto professionale. Non lo definirei necessariamente noioso, ma esiste un format al quale gli spettatori finiscono per abituarsi. Statistiche. Analisi. Numeri. All’interno di tutta questa struttura, progressivamente, si rischia di perdere parte della personalità. È anche questo che rendeva, per me, le epoche precedenti dell’NBA così divertenti: esisteva più spazio perché le personalità emergessero e, di conseguenza, c’erano più elementi ai quali i tifosi potevano legarsi. Puoi osservare qualcosa di simile oggi con una figura come Naomi Osaka. I suoi outfit sono diventati un’estensione della sua identità. Uno di essi, per esempio, faceva riferimento ad Allen Iverson, e questo ha creato immediatamente un ulteriore livello di significato. La moda diventa arte essa stessa. Ti racconta qualcosa delle sue influenze, della sua personalità e del modo in cui comprende il proprio posto all’interno della cultura del tennis. L’arte ti concede la libertà di amplificare tutti questi elementi. Può comunicare in modo naturale l’intensità e il carattere emotivo di qualsiasi sport in modi che una cronaca convenzionale potrebbe soltanto suggerire. Ti permette di reintrodurre un altro tipo di energia. Puoi prendere in prestito linguaggi provenienti dai fumetti, dagli anime, dall’illustrazione e utilizzarli per amplificare l’intensità degli atleti, dei loro movimenti e delle loro personalità.”

Esiste un parallelismo interessante tra pratica artistica e performance atletica: entrambe richiedono ripetizione, disciplina, pazienza e un’enorme quantità di lavoro invisibile prima che il risultato diventi concreto. Riconosci qualcosa della mentalità di un atleta all’interno del tuo stesso processo creativo?

“Esistono moltissime connessioni. Un atleta a cui penso sempre in questo senso è Steph Curry, e nello specifico al suo tiro. Se ci pensi, c’è qualcosa di profondamente artistico in quel movimento. Quanti anni ha trascorso a ripetere lo stesso tiro? Quante volte è rimasto nello stesso punto eseguendo, sostanzialmente, lo stesso movimento per ore? Dietro qualcosa che oggi appare completamente naturale e privo di sforzo esiste una quantità straordinaria di lavoro. Ci sono minuscoli aggiustamenti che sono stati compiuti nel corso degli anni. Tutta quell’esperienza finisce per essere incorporata nel gesto. Credo che nell’arte accada esattamente la stessa cosa. Ti eserciti. Disegni ripetutamente. Impari a conoscere il comportamento di diversi materiali. E, progressivamente, la tua mano diventa più precisa. Migliori semplicemente continuando a creare, nello stesso modo in cui ogni tiro offre a un atleta un ulteriore livello di comprensione.”

Guardando al futuro, quali aspetti dello sport e della cultura che lo circonda vorresti ancora esplorare attraverso il tuo lavoro? 

“Una cosa che mi piacerebbe moltissimo fare è lavorare con una squadra nel corso di un’intera stagione. Non semplicemente realizzare un singolo lavoro o una campagna, ma sviluppare una relazione creativa continuativa e, magari, contribuire a plasmare l’identità visiva dell’intera stagione. Credo che all’interno di un periodo così lungo ci sarebbero moltissimi territori da esplorare. Animazioni, poster, immagini, persino divise. Sarebbe incredibilmente stimolante per me. Più in generale, voglio continuare a riportare l’arte all’interno del basket e dello sport nel suo insieme. 

Ma, oltre alla dimensione estetica, ciò che per me conta maggiormente è preservare l’umanità dell’arte. Vorrei che le persone tornassero ai processi tradizionali. Per me, arte e anima sono profondamente connesse. Non credo che sia possibile separare completamente le due cose. Nel momento in cui elimini interamente la persona, non sono più sicuro che si possa ancora parlare di arte. Forse, a quel punto, stiamo parlando di numeri, algoritmi e immagini generate.

E c’è un altro messaggio che per me è importante. Non credo che le persone dovrebbero mai sentirsi in imbarazzo per le cose dalle quali vengono ispirate. Puoi amare lo sport e amare l’arte contemporaneamente. Non devi abbandonare un mondo per poter appartenere all’altro. Non rinnegare le tue radici soltanto perché potrebbero non corrispondere all’idea tradizionale di ciò da cui un artista dovrebbe essere influenzato. Tutto ciò che ho assorbito da bambino ha un peso nel lavoro che realizzo oggi. Tutti quei riferimenti sono diventati parte della mia pratica. Credo che sia proprio questo a distinguere un artista da un altro. Le mie influenze appartengono a me. È quella combinazione personale a rendere queste opere solamente mie."