“Sono cresciuto amando due cose, l’arte e la pallacanestro. Specialmente durante la mia adolescenza questo era un parallelismo costante. All’high school ero sempre a contatto sia con gli atleti, ovvero i miei compagni di squadra, sia con gli ‘atipici’ del dipartimento d’arte. Era difficile combinare questa duplice vocazione, non riuscivo a trovare una completa definizione di me stesso e tenevo separati questi due mondi. Poi al college ho avuto una rivelazione: il basket era diventata una ‘bestia differente’, gli allenamenti erano molto più impegnativi e la mia passione non era abbastanza forte… Così, dipingendo nel mio dormitorio, ho capito che avrei fatto l’artista, il pittore”

I dipinti di Jeremy Okai Davis parlano di ricordi, di figure disperse nel flusso del tempo, spesso dimenticate come le loro gesta, come i loro significati, come le loro conquiste. Sono uomini e donne che hanno segnato indelebilmente la storia afroamericana, sono antichi profili che parlano di passato nel presente, di presente nel passato; sono soprattutto atleti che danno vita alla serie ‘A Good Sport’, attualmente esposta presso l’Elizabeth Leach Gallery di Portland (galleria che lo rappresenta).

Per introdurre la filosofia artistica di questo giovane pittore nato in North Carolina e oggi di base a Portland, Oregon, bisogna necessariamente parlare del fortissimo legame con l’immaginario e l’elemento sportivo. Perché Jeremy ha il basket nel sangue. E non è un caso che il Gioco di James Naismith e i suoi protagonisti siano tra le muse più ritratte dai suoi pennelli…

“Sono cresciuto a Charlotte, dove mio padre faceva l’allenatore di basket. Lo seguivo agli allenamenti, vedevo con lui i videotape delle partite, osservavo per casa libri giganti di schemi e appunti… Fin da piccolo ho preso la palla in mano, spinto anche dall’esempio di mio zio Walter Davis (oro olimpico a Montréal ’76 e 6 volte All-Star NBA ndr) e di mio cugino Hubert Davis (ex giocatore NBA e attuale allenatore dei gloriosi Tar Heels di North Carolina ndr). In questo tipo di ambiente avevo la sensazione di dover diventare un atleta. Era scritto nella mia storia”

La storia di Jeremy invece prende una piega diversa, trovando nella tela, e non nel parquet, la vera vocazione. Una vocazione che custodisce per molto tempo nutrendosi di pop art e viaggi introspettivi. Una vocazione che abbraccia pienamente nell’anno da freshman, quando decide di abbandonare i canestri e di convogliare tutte le sue energie sulla tela.

“Ho cambiato college e mi sono dedicato unicamente all’arte e al graphic design, che a fine anni ’90 stava esplodendo. La pop art è stata la mia porta d’ingresso. Mi affascinavano i lavori di Warhol e Lichtenstein, di Rosenquist e Hamilton. Loro proponevano un qualcosa di accessibile a tutti, giocando sulla costante dicotomia tra produzione di massa e comunicazione metaforica. Chuck Close è stato un enorme punto di riferimento nella mia maturazione artistica, così come Basquiat, che ho imparato ad apprezzare nel tempo. Ma è stato Kerry James Marshall a ispirare la mia filosofia artistica: per me è fondamentale usare l’arte come strumento per educare, educare me stesso e, contemporaneamente, gli osservatori. È una forma di ‘each one teach one’ che permette un processo di espansione individuale e collettiva”

“Dal 2015 ho iniziato a concentrarmi sull’idea di scoprire ed evidenziare storie di personaggi afroamericani. I protagonisti di ‘A Good Sport’ possono essere atleti, ma anche scrittori, artisti, attivisti… Voglio far capire quanto sia stata multiforme e profonda l’incidenza degli afroamericani sulla società. Sento di avere un grande responsabilità. Uno dei miei quadri, per esempio, è dedicato a Bill Russell. L’ho dipinto prima della sua morte e per me ha un enorme valore: Russell è un’icona sportiva, ma è stato capace di trascendere questa condizione, diventando un’icona sociale. Le sue parole e le sue azioni sono state fondamentali, così come quelle di Jackie Robinson o di personaggi meno celebri, come il fantino Jimmy Winkfield, che ad inizio ‘900 fu costretto a scappare dall’America e a competere in Russia per pesanti problemi razziali“

Artisti e atleti possono incidere sulla società in maniera analoga, precisa Jeremy prima di tornare sulle sue tele e su nuovi personaggi da ricercare e ritrarre. Nel caso dell’artista entra però in gioco il tema dell’astrazione, dell’opera che non rappresenta un punto di arrivo, ma un punto di partenza per dialoghi, conversazioni, riflessioni. Per l’arricchimento personale e comunitario. Come nel caso di ‘A Good Sport’.

“Per me surfare equivale a danzare, ogni volta che sono in acqua è come se facessi un ballo con le onde. Odio la narrazione tipica del surf: sulla tavola non si cavalca e non si domina il mare. È lui a dominarti. Te lo fa capire molto chiaramente. La natura trova sempre il modo per sottolineare quanto sia incredibilmente potente…”

Edoardo Cartoni è giovane, giovane come la spensieratezza, giovane come la sensazione della tavola a contatto con l’acqua, giovane come la maturità. Suona strano? Non dovrebbe, perché dalle parole di questo poco più che ventenne traspare molto più di un banale approccio alle onde, di una filosofia vacua, fatta di ribellione standardizzata, insipidi video Instagram e luoghi comuni.

C’è una purezza rara nei ragionamenti di Edoardo, già campione junior italiano di longboard e riconosciuto all-arounder del panorama surfistico nazionale, c’è la purezza della conoscenza, dell’interesse, della pratica che sfocia in altri ambiti: come quello letterario, come quello fotografico, come quello educativo. Diramazioni che hanno trovato humus nella terra più underground e affascinante del surf italiano, nella città che fu ‘Superba’: Genova.

“La cultura del surf nella mia Genova ha radici antiche, si dice che già negli anni ’80 le persone uscissero in mare con le tavole. Leggenda narra che a Bogliasco ci fossero i primi surfisti d’Italia e che, attraverso il passaparola, questa pratica sia arrivata in città. Genova ha imparato a conoscere meglio il surf nell’ultimo periodo, grazie alla scuola Blackwave, la più grossa del Paese. Io faccio il maestro lì e mi rendo sempre più conto di quanto il surf rischi di essere una moda. Per me è sempre stato un qualcosa di estremamente personale, d’introspettivo… Per questo ai ragazzi non presento uno sport schematico e standardizzato, ma un elemento culturale. E quando vedo qualcuno che è realmente interessato, è come se un fuoco si ravvivasse dentro di me”

È un fuoco puro, che guarda di cattivo occhio l’eccessiva sportivizzazione di una forma d’arte nata come viaggio sensoriale e non come sequenza di gesti tecnici da valutare. È, soprattutto, uno stile di vita punteggiato di beach break e pensieri condivisi, di lunghe attese e persone preziose: concetti che rimandano a luoghi esotici e distanti, ma che vengono ricreati quotidianamente sul Mar Ligure, là dove Edoardo ha trovato il proprio tempio formativo e spirituale.

“La nostra è una condizione unica. Siamo sempre alla disperata ricerca delle onde, perché nella nostra zona non si trovano tutti i giorni. Credo sia una cosa molto romantica. Chiaro, all’estero è tutto molto più semplice e, ovviamente, strutturato, ma qui in Italia ho avuto la fortuna di conoscere tante persone che mi hanno ispirato e introdotto a questo mondo. Parlo per esempio di Alessandro Demartini, Matteo Fabbri, Davide Onorato e tanti, tanti altri. Praticamente tutti i miei amici hanno a che fare con il surf, tutta la nostra vita gravita intorno alle onde. Finiamo di studiare o di lavorare e andiamo in spiaggia, anche solo per ascoltare un po’ di musica e parlare tra di noi…”

Studente di Philosophy, International and Economic Studies, Edoardo sogna i cinque cerchi di Los Angeles 2028, dove il longboard sarà introdotto nel programma olimpico per la prima volta. Un obiettivo dettato dalla voglia di realizzazione personale, più che di riconoscimento pubblico.

Nel mentre appunta le sue riflessioni sul portale Tuttologic Surf e dà libero sfogo alla propria creatività insieme al collettivo GELOV, dove skate e surf s’incrociano con la produzione multimediale, regalando una nuova prospettiva sulla scena genovese. Esperienze, queste, che stanno ponendo le basi per un futuro professionale che pare già delineato.

“Se nasci e cresci a Genova devi costruirti degli stimoli. Con la community di GELOV creiamo contenuti in analogico e VHS, ritraendo quella che sentiamo come la nostra California. Tutti siamo da sempre appassionati di cinema e fotografia, così ho deciso di comprare una macchinetta a 10 euro in un mercatino e ho iniziato a scattare. Tommaso Pardini, Fabio Palmerini e Filippo Maffei sono dei punti di riferimento per la qualità delle loro composizioni, mi hanno permesso di capire quanto sia importante il timing nella fotografia-surf. Devo ammettere però che preferisco ancora entrare in acqua con i miei amici, piuttosto che fotografarli… Nei prossimi anni proverò ad allenarmi con più costanza, per puntare alle Olimpiadi di LA. È una sfida con me stesso, che va molto al di là di punti e podi. Si tratterebbe di una soddisfazione personale senza paragoni. Contemporaneamente voglio portare avanti il percorso di studi e le varie esperienze lavorative. In futuro voglio restare dentro il mondo del surf: non so se come scrittore, talent scout, promotore di progetti o chissà cosa… So solo che voglio restare a contatto con le onde”

“Non si può separare la musica dal tennis. Non si può, perché sono profondamente connessi. C’è sempre ritmo in quello che fai, soprattutto se sei un tennista o, in generale, un atleta di primo livello. C’è ritmo nel modo in cui respiri, nel suono dei tuoi passi quando giochi sulla terra rossa, quando vai a rete. Chiudi gli occhi e prova ad immaginare quei suoni… Sono dei ta-ta-ta, sono le scarpe che scivolano… In campo il ritmo continua ad essere parte di te, a partire dal battito del cuore”

Yannick Noah muove prima delicatamente, poi incisivamente le mani mentre immagina accordi e note vissute sottorete. Pare parlare di spartiti, più che di campi centrali. Pare parlare di chiavi, più che di volée. È ancora alto, sorridente e affusolato, nonostante i 62 anni da poco compiuti. Sul balcone dell’Aspria Harbour Club, alle porte di Milano, propaga folate di Marlboro Gold e mistica gentilezza, lasciando fluire pensieri e associazioni illuminate, spargendole davanti a meravigliati ascoltatori.

Da tempo, ormai, l’intramontabile uomo simbolo e ambasciatore di Le Coq Sportif ha deciso di cambiare impugnatura, dedicando il suo esotico estro al microfono: una transizione epocale, che l’ha inaspettatamente condotto sulle vette di chart internazionali e classifiche Spotify. I suoi brani dalla chiara indole reggae, lanciati nel lontano 1991 con il primo album ‘Black and What!’, parlano di positività e bellezza, di condivisione e umanità, soprattutto di libertà. La stessa libertà teorizzata dal suo spirito guida Bob Marley.

“Ho appena concluso il tredicesimo album. La mia volontà è quella di essere sempre reale, onesto nei miei confronti e nei confronti di chi mi ascolta. Quando ho iniziato a cantare, probabilmente il 99% delle persone ha pensato che fosse una follia. Spesso, però, non si realizza quanto sia importante ascoltare la propria anima, le sue necessità. È successo tutto per caso, a inizio anni ’90, quando mi sono ritrovato dentro uno studio di registrazione e un cantante non si è presentato. Quel giorno ho iniziato a giocare un po’ con le parole e mi hanno subito chiesto di proseguire, poi mi hanno registrato e poche settimane dopo stavo girando il videoclip della mia canzone d’esordio. Dopo il tennis avrei potuto intraprendere una lunga serie di strade canoniche: aprire un negozio specializzato, fare solamente l’allenatore o il commentatore… Ma il mio istinto mi ha spinto a fare un qualcosa che mi avrebbe aiutato come essere umano. E la musica era quel qualcosa”

La musica come voce interiore da ascoltare in loop durante allenamenti e finali, come colonna sonora che, implicitamente, scandisce imprese e fallimenti. La musica come vocazione, come essenza, come centro gravitazionale. Noah ci fa intendere tutte queste sfaccettature, ci fa intendere come le note abbiano sempre fatto parte della sua vita: appigli melodici capaci di mutare nel tempo e nello spazio, di accompagnare prima l’esaltazione, la concentrazione, l’introspezione, poi la personale liberazione. Saltando di capitolo in capitolo, di esperienza in esperienza, il nativo di Sedan sottolinea con trasporto le infinite funzioni di questa forma d’arte, concentrandosi sulla più rilevante: quella terapeutica.

“La musica mi ha dato la libertà. Ho lavorato per anni con psicologi che mi hanno instillato i concetti di forza, potenza, aggressività e killer instinct: fattori fondamentali per poter essere un atleta di alto livello. Quando finisci la carriera sportiva, però, questi punti di forza si tramutano in debolezza, in negatività. Durante quella transizione la musica mi ha salvato. Davanti alle note, linee e restrizioni sono magicamente svanite, ho capito immediatamente di poter essere sensibile, debole, di poter esitare e piangere. Quando ero un giocatore la maggior parte della mia vita era rock, in campo dovevo essere Mick Jagger e gli Stones, gli AC/DC e gli Who, dovevo convogliare nella racchetta quell’energia. All’epoca avevo una relazione profondissima con le mie cassette, ascoltavo musica di continuo. I vari tornei coincidevano con enormi momenti di solitudine, spesso ero malinconico, mi sentivo distantissimo dalla famiglia, dagli affetti… La musica era la mia compagna di viaggio, mi teneva in vita. Poi il rock è diventato reggae, è diventato lo studio dei testi, delle parole, e dal nulla si è spalancato tutto“

Un tutto che Noah ha fatto proprio, colorandolo di radici culturali e affettive, di Francia e Camerun, di emozioni tenute recluse troppo a lungo, imprigionate davanti a milioni di spettatori che osservavano i suoi dread modernizzare il tennis. L’importante è trovare sempre una prospettiva positiva, è unire, afferma estaticamente il nativo di Sedan, è divulgare un amore che vuole essere paradigma collettivo per un nuovo, utopico mondo: una realtà contemporaneamente vicina e distante, a cui i suoi testi fanno spesso riferimento.

“Le mie radici sono in Francia e in Camerun. Due Paesi diversissimi tra loro. Sono cresciuto in una famiglia unica: mio padre era un simpaticissimo calciatore africano, mia mamma una bianca filosofa europea. Vedevo quanto si amavano, quanto erano legati, come condividevano lo stesso humour, lo stesso approccio ad un mondo esterno che non li vedeva di buon occhio. Questo amore mi ha fortificato, nel tempo mi ha fatto capire che il mio ruolo doveva essere quello di comunicatore: dovevo far capire alle persone che va bene essere differenti. Parlo del colore della pelle, delle caratteristiche dei corpi, dei luoghi di nascita… Io per esempio sono sempre stato un bianco in Africa e un nero in Europa, ma ho sempre vissuto bene questa duplice condizione, perché ero circondato dall’amore. Non è un caso che la mia prima canzone parli proprio di questo: del rapporto tra Yaoundé e Parigi, della possibilità di far convivere in armonia queste due città, questi due popoli, questi due continenti. Nella mia visione fa tutto parte di un grande, virtuoso processo”

E il processo formulato da Noah continua a pulsare, vitale e incisivo, come il suo tennis, come le sue parole. È una scalata ideologica, cominciata con l’esempio pratico, con il Roland Garros dell’83 e altre decine di tornei dominati fluttuando tra fondo campo e rete, con il polsino verde-rosso-giallo ad asciugare sudore e pregiudizi. È una marcia pacifista, composta da passi rimati e ponti vocali, destinata a proseguire e ad attecchire chissà in quale palco, in quale nazione, in quale individuo. È un melodico appello al cambiamento, che non vuole obbligare ma consigliare, che non vuole forzare ma ispirare.

“Ho fatto concerti di fronte a 50, 100 persone. Molti si chiedevano il perché. Per loro non aveva senso che cantassi di fronte ad amici e parenti, quando potevo fare match di esibizione davanti a migliaia di spettatori. In realtà tutto aveva senso, la mia vita aveva senso. Sentivo di essere uscito dalla monodimensionalità sportiva. Sentivo che ripartire da zero mi avrebbe permesso di essere ancora più vero nel mio approccio alla musica. Potevano mancare microfoni e elettricità, eppure mi veniva naturale dare un preciso significato a tutto: si trattava di una forma di preparazione, di purificazione, che adesso mi permette di essere un artista credibile, di cantare negli stadi, di far capire ai miei ascoltatori che amo quello che faccio. Lo amo visceralmente. Mi sono sempre detto che non importa vendere diecimila dischi o venderne un milione. Per me conta condividere pensieri, messaggi, emozioni. Per me conta condividere la libertà che mi ha donato la musica”