Si può esplorare il tipico brutalismo architettonico sovietico anche attraverso un’arte sportiva urbana, quella del parkour. Fabien Scotti ci dimostra come, creando attraverso la propria lente un’interazione tra il panorama metropolitano bulgaro e i corpi fluttuanti di giovani volatili umani.

Il dialogo tra evoluzioni aeree, cemento e gravità, raggiunge una nuova dimensione sia in questo reportage visuale, sia nelle parole di Kristiyan Valev, atleta locale che racconta il proprio punto di vista riguardo il legame tra palazzi popolari, complessi abbandonati e l’immaginario tipico di qualsiasi artista del parkour.

“Sono sempre stato appassionato di videogame e anime, quando ho scoperto il parkour ho iniziato a vivere le stesse sensazioni, ma nella vita reale. Se mi alleno fuori dalla palestra, ricerco sempre spazi urbani unici. Mi piace l’architettura e le forme che ritrovo nei vari luogo ispirano i movimenti del mio corpo. Amo essere creativo. Arti visuali, produzioni musicali e parkour credo siano universi uniti dallo stesso mindset: hai semplicemente una tela bianca su cui puoi provare a dipingere qualcosa. L’architettura gioca un ruolo fondamentale nella mia interpretazione di questo sport, la ricerca dei migliori spot coincide con la ricerca di strutture particolari, dall’alto potenziale estetico. Il parkour ha acceso una scintilla dentro di me e così ho iniziato a diventare un appassionato di architettura. I contesti architettonici che ci circondano giocano un ruolo chiave nel definire lo stile di ogni singolo atleta di parkour. Per esempio io sono cresciuto in un piccolo centro cittadino della Bulgaria, dove non c’erano degli spot prefissati per il parkour. Ho dovuto fare affidamento sulla mia creatività e, insieme ai miei amici, ho cominciato ad esplorare una lunga serie di palazzi abbandonati, costruiti durante l’era comunista nella zona industriale della città. Avevo la sensazione di essere all’interno di un film post-apocalittico… E credo che quelle esperienze abbiano influenzato la mia idea di parkour”

Il 1968 è un anno celebre per i suoi radicali cambiamenti sociali. I venti rivoluzionari soffiano forti in tutto il mondo ed anche la National Basketball Association sembra pronta ad una nuova alba, accogliendo due nuove squadre: i Phoenix Suns e i Milwaukee Bucks. Immerso nella natura, abbracciato dal Lago Michigan e dal Lago Superiore, il Wisconsin non è mai stato considerato un basketball state. Il dinamismo della palla a spicchi pare essere troppo diverso dalla pace che si respira a Milwaukee.

La prima stagione è ben lontana dall’essere entusiasmante: i Bucks chiudono con uno dei peggiori record della NBA con poco più di venti vittorie. Al draft viene scelto Kareem Abdul-Jabbar, che al fianco di Oscar Robertson forma una delle coppie più dominanti del campionato. Dopo solo tre anni, arriva il primo titolo NBA: un’impresa lampo quella dei Bucks, che non è comunque sufficiente per iscrivere la franchigia tra le powerhouses della pallacanestro americana. I Bucks sono giovani, sono vincenti, attirano migliaia di spettatori ad ogni partita. Eppure manca loro qualcosa. La proprietà è decisa a mandare un segnale forte, i Bucks devono essere sulla bocca di tutti e devono diventare un vero e proprio brand.

L’investimento, finanziato in gran parte da denaro pubblico, è decisamente consistente. L’alone di mistero che avvolge il risultato finale, unito ad una lunghissima attesa, alimenta i malumori in tutta la città. Alcuni giornalisti non sono convinti del progetto e arrivano a scrivere frasi come: “con tutti quei soldi potevamo ridipingere la Cappella Sistina”. Nel 1977 Indiana termina quello che ancora oggi è considerato il più grande lavoro Pop Art al mondo: un’arena intera che diventa una vera e propria opera d’arte. Un capolavoro artistico e cestistico fruibile da migliaia di persone. Il parquet, dipinto interamente a mano da Robert Indiana, è di colore giallo, con due M speculari realizzate in legno più chiaro. Le due aree, invece, come il cerchio a metà campo, sono di colore rosso. Sempre al centro troviamo la scritta MECCA, acronimo del nuovo Milwaukee Exposition Convention Center and Arena.

The investment, financed largely by public money, is just huge. The halo of mystery surrounding the final result combined with a very long wait starts to fuel discontent throughout the city. Some journalists are not convinced about it, declaring “with all that money we could have repainted the Sistine Chapel”. In 1977 Indiana finishes what is still considered the world’s greatest Pop Art work: an entire arena that becomes a true masterpiece. An artistic-basketball installation that can be actively enjoyed by thousands of people. The hardwood, painted entirely by Robert Indiana’s hands, is yellow, with two mirrored M’s made of lighter wood. The two areas, like the circle in the middle of the court, are red. In the center we find also the MECCA lettering, an acronym for the new Milwaukee Exposition Convention Center and Arena.

Il fattore campo è sorprendente: I Bucks centrano i playoffs ad ogni stagione, superando sempre le cinquanta vittorie ed arrivando in finale per ben tre volte, sconfitti solo dalle magie di Julius Erving e dai Celtics di Larry Bird. A beneficiare dell’incredibile energia della MECCA è anche l’università di Marquette, che nel 1977 corona una stagione sensazionale con la vittoria dell’unico titolo NCAA della sua storia. I costi di manutenzione del campo, però, sono estremamente elevati ed iniziano ad avere un impatto troppo pesante nelle casse della franchigia del Wisconsin. Inizia inoltre a prendere forma il progetto del Bradley Center, una nuova casa per i Bucks con il doppio della capienza e più consona alle nuove ambizioni del team.

Il cambio di impianto sembra portare con sé una sorta di maledizione, con la squadra che per sette stagioni consecutive non riesce a qualificarsi per la fase finale della stagione. Il parquet disegnato da Robert Indiana viene scomposto e messo in vendita. Trovare un acquirente è particolarmente difficile, nessuno sembra essere interessato a dare nuova vita al “floor that made Milwaukee famous”, che finisce così nel dimenticatoio.

Nel 2010, Andy Gorzalski – tifoso dei Bucks fin dalla nascita – s’imbatte in un annuncio a dir poco particolare. L’articolo in vendita viene descritto come un banale ‘gym floor’, ma per chi ha legato la propria infanzia sportiva alla franchigia di Milwaukee è facile comprendere l’unicità di quel parquet dalla descrizione apparentemente anonima. Il prezzo, 20.000 $, è poco accessibile, ma pur di non rischiare che Milwaukee venga privata del suo gioiello sportivo più prezioso, Andy si indebita ed acquista l’opera di Indiana, divenendo protagonista di uno splendido documentario ESPN. Poco tempo dopo l’acquisto, Gorzalski entra in contatto con la famiglia Koller, proprietaria di una celebre azienda di parquet sportivi da sempre legata ai Bucks. Le due parti sono decise a valorizzare il capolavoro di Indiana e nel 2017, cinquant’anni dopo l’inaugurazione, la ProStar Surfaces della famiglia Koller realizza una replica perfetta della MECCA, attirando l’attenzione dei media e soprattutto dei tifosi, che grazie a quel parquet sono in grado di tornare indietro nel tempo.

“In life, in sports… It is always important to celebrate your heritage. Milwaukee to me was an unbelievable place to play”

L’importanza di ricordare la propria storia e di tramandarla alle generazioni future è un’azione fondamentale nello sport, ce lo ricordano le parole di Charles Barkley, che con i suoi (all’epoca) Sixers ha calcato il suolo della MECCA più volte. Nel 2018 i Milwaukee Bucks decidono di celebrare ulteriormente la creazione di Robert Indiana, realizzando delle divise ‘city edition’ ispirate ai colori del parquet utilizzati dall’artista. Nonostante gli sforzi di Andy e della famiglia Koller, la vera MECCA non ha ancora trovato un acquirente in grado di valorizzarla e di ridarle nuova vita. Viene tutt’ora conservata come una vera e propria reliquia in un magazzino specializzato, in attesa che qualcuno riesca finalmente a dedicarle la gloria e l’importanza che merita. Questa volta, si spera, in un contesto museale.

“Come sono diventato un fotografo? Negli anni ’60 ero un bambino di una piccola città della Carolina del Nord. Non esisteva tecnologia, all’epoca. Mio padre collezionava vecchie riviste Life, degli anni ’30 e ’40. Osservavo queste enormi foto in bianco e nero che narravano di un mondo fantastico: un mondo che non esisteva attorno a me. Ricordo scatti dal Polo Nord, da Roma e Parigi, i ritratti di Brigitte Bardot… Con lo scorrere del tempo ho realizzato che quelle foto venivano scattate da qualcuno. E che quello del fotografo era il più affascinante dei lavori” 

Per immergersi nella magmatica produzione fotografica di Jim Herrington, bisogna pensare ad uno spazio multidimensionale, dove l’immagine diventa foce visiva di una lunga serie di affluenti artistici e umani. È la volontà di narrare una storia, di rappresentarla nella sua interezza attraverso un singolo istante, una singola espressione.

Una filosofia sprigionata in due dei principali filoni narrativi di Herrington: quello legato alla musica e quello connesso alla montagna, ai suoi principali protagonisti, i pionieri dell’alpinismo novecentesco. Figure tanto mitiche, quanto evanescenti, destinate a perdersi nel flusso del tempo e della propria arte verticale. Un destino che Herrington ha voluto evitare grazie ad un’intensa opera documentaristica confluita nella sua opera magna, il libro ‘The Climbers’.

“Ad un certo punto, lungo il mio cammino, ho capito che lo storytelling era fondamentale per il mio lavoro. Era un qualcosa di insito in me, nelle mie radici. Ho sempre amato le storie, ricordo che a tavola con la mia famiglia avevamo un mantra: se non hai qualcosa d’interessante da dire, inventati qualcosa. Ho fotografato per decenni musicisti leggendari, alcuni di questi geni erano stati dimenticati… Lo stesso valeva per tanti climber che tra il 1920 e il 1970 avevano rivoluzionato l’idea di esplorazione della montagna. Ho sempre pensato che tra queste due categorie di esseri umani ci fossero enormi somiglianze: mi riferisco al desiderio di progresso, di superamento di limiti, d’indipendenza, ad uno stile di vita libero e slegato dalle logiche economiche”

Dal clarinetto di Benny Goodman all’equipaggiamento di Riccardo Cassin, dalla chitarra di Willie Nelson al coraggio di Reinhold Messner, dalle note futuristiche dei Rolling Stones alle prima, storica donna sull’Everest, Junko Tabei. Le istantanee di Herrington sono la costante testimonianza di un inesauribile interesse per la vita, per l’esperienza personale che, nonostante la sua eccezionalità, diventa paradigma di una condizione, di una passione collettiva.

Ospite per la seconda edizione di fila dell’ONA Short Film Festival, kermesse veneziana dedicata al rapporto tra sport, ambiente e settima arte, Herrington arriverà in laguna tra l’8 e il 10 settembre portando con sé un’infinito scrigno di nozioni e avventure outdoor, un sapere maturato in 59 anni dedicati quasi interamente al sensibile studio dell’elemento umano e naturale.

“La montagna ha un grande ruolo nella mia vita e nella mia carriera artistica. Sono cresciuto facendo hiking sugli Appalachi, su questa catena che due milioni di anni fa raggiungeva altitudini superiori a quelle dell’Himalaya. All’inizio del mio percorso viaggiavo con nulla: non c’era connessione, ci si poteva perdere, ma si scopriva sempre qualcosa di nuovo. Oggi tutto è differente, tutto si è digitalizzato. E questo processo ha dei lati negativi, mi pare ovvio, ma anche molti lati positivi. Sembrerà ironico, ma grazie ad Instagram, per esempio, ho allenato la mia scrittura per ‘The Climbers’. Ogni volta che compongo le caption delle mie foto su questo social, mi sento come uno scrittore di pop song degli anni ’60: un artigiano che deve plasmare testi brevi e incisivi”

Sferzato dalla dolce brezza adriatica dell’Isola di San Servolo, Herrington si ricongiungerà allo storytelling outdoor davanti alle pellicole e produzioni selezionate, proseguendo un percorso di apprendimento che non ha intenzione di fermarsi nemmeno di fronte alla sopraggiunta maturità artistica e che permette ancora a questa leggenda della fotografia di ispirare e farsi ispirare, di elaborare e rielaborare un archivio d’immagini senza limiti, per forma e quantità.

“Amo i documentari, il fotoreportage, la street photography… I giganti del passato che più ho ammirato sono persone come Jacques Henri Lartigue e Robert Frank. Mi piace l’idea di un giornalismo personale. Suonerà strano, considerano che quasi tutti mi conoscono per la ritrattistica, ma sono anche un grande fan della ‘landscape photography’. Mi riferisco in particolare alla scuola visuale giapponese, dove i panorami sono trattati in maniera astratta. Guardandomi indietro, se dovessi scegliere uno scatto che definisce la mia carriera, direi il ritratto di Cormac McCarthy: uno scrittore cupo, schivo, che ho fotografato nel mezzo del deserto con una luce che, a mio avviso, imprime e fa emergere, tante sfumature delle sue produzione letteraria. Ora sento il tempo che passa e da un lato sono consapevole che dovrei lavorare sulla mia produzione passata, aggiustandola e riordinandola, ma sento anche di voler continuare a fotografare e sperimentare. Ed è una sensazione che non possono snobbare”.